Alex North,美国

代表作：<欲望街车><埃及艳后>,<早安越南>,<人鬼情未了>主题曲

    亚历克士·诺斯(1910~1991) 算是俄裔移民後代，出生在美國費城，年輕時曾經就讀著名的 Julliard School，這些背景和著名指揮家 Leonard Bernstein 有驚人的相似度，但畢業後North 做出令人驚訝的舉動 ～1930 年代俄國正當史達林當政時期，Horowitz, Milstein 等音樂家紛紛逃離蘇俄，俄裔思想左傾的 North 卻反方向運作，景仰 Prokofiev 的他從美國跑去莫斯科音樂院留學，這時 North 的生涯計畫類似 Leonard Bernstein，一心想作古典樂的創作者，順便一提，1936 年時 North 已經完成了三首交響曲。

1938 年回到美國之後， North 認識了後來在 50 年代被麥卡錫主義迫害的幾個好萊塢左派人士，如導演 Elia Kazan，劇作家 Tennassee Williams 等人，受這些人影響，也逐漸改變的他的創作方向， 1951 年 <慾望街車> (A Streetcar Named Desire) 算是首部三人合作的作品，這部作品大獲成功，加上他在古典樂方面創作成績平平，使得電影配樂從 North 的副業成為首要職業。

Alex North 的創作高峰期是 50, 60 年代，他算是一個相當長壽的作曲者，1987 年還為 <早安越南> (Good Morning Vietnam) 寫配樂，遺憾的是他的作品從未拿過奧斯卡金像獎，因此 1985 年電影協會頒了一個終生成就獎給他。

30 歲以下的樂迷聽到這裡或許還是哈欠連連，只要提到 North 畢生創作最有名的一首歌曲，會聽電影配樂的人可能眼睛就亮起來了，<人鬼情未了> (Ghost) 這部電影的配樂由 Maurice Jarre 編寫，但是那首令人銷魂的　Unchanged Melody 是誰作的？答案是 Alex North 1983 年為一部電影 (Baby it's You) 所作，隨著電影成績欠佳乏人問津，直到 1990 被 Maurice Jarre 拿出來冷飯重炒才大放光芒。

虽然《埃及艳后》并没有为配乐家亚历克士·诺斯(Alex North，1910~1991)拿下金像奖，但是这部电影配乐受到各界的广大回响让他达到事业高峰。在过去只有LP的年代，《埃及艳后》配乐曾经登上美国销售最佳专辑长达数周之久。而亚历士诺斯后来也成为奥斯卡史上第一位获得终身成就荣耀的配乐家。

Jerry Goldsmith ,美国，代表作:《星舰奇航》系列中的五部,《唐人街》,《虎！虎！虎!》,《再生缘》,《人猿猩球》,《巴顿将军》,《黑狮震雄风》,《杀人蜂》,《第一滴血》I,II,III,《异形》I,《关山飞渡》,《本能》,《洛城机密》,《花木兰》,《剑侠风流》,《狂野之河》,《巴比龙》,《天魔》,《追梦赤子心》,《宇宙威龙》,《采药人》,《吵闹鬼》《空军一号》《木乃伊》

    杰瑞·戈德史密斯(1929年2月10日--2004年7月21日)在过去的两个时代里灵感不断，从60年代早期开始到现今一直谱写伟大乐章。他的配乐对推广电影音乐这一艺术有极其重要的作用。他对乐史和乐理的广博认识使他为他配乐的电影添上无数色彩。他配乐时身着牛仔裤、明亮颜色的衬衣，打着领带，挽起袖子灵感一触即发，业界之内均知歌德史密斯令人倾倒的个性。

      过去二十年可以说是杰瑞·戈德史密斯传奇生涯中最多姿多彩的。在之前的二十年里掌握了融合管弦乐和电子音乐手法以后，他的深厚经验令他成为世上作品最丰富多彩的作曲家之一。与此同时，他的后期作品也一直被专业乐评人批评为缺乏史诗般主题鲜明的大作。杰瑞·戈德史密斯接下如Mom and Dad Save the World 和 Dennis the Menace这样的配乐任务让他不少从The Wind and the Lion 和 Chinatown（唐人街）开始喜爱他的亲密乐迷感到疏离，但是却启发了整整一代新的电影音乐爱好者。杰瑞·戈德史密斯爱好挑战，结果是他为一些诡异的小预算电影如Gremlins 和 The 'Burbs 制作一批了令人愉快的作品。

     杰瑞·戈德史密斯的作品是如此受欢迎以至几乎他制作的所有作品都有发行CD专辑。那极其少数的未发行的作品主要可能是因为杰瑞·戈德史密斯录制的母带已经遗失。二十世纪九十年代有2套收藏CD是真正捕捉到了杰瑞·戈德史密斯的精髓的：1993年电影音乐保存协会向参加年度晚宴（当年是向杰瑞·戈德史密斯致与敬意）的会员发放了500张左右的CD。 现在这些CD估价大概要500美元以上，是有史以来最有收藏价值的原声类CD。这张CD里包括的音乐当时都是没有发行过的。另外一张杰瑞·戈德史密斯的伟大合集作品是一张由Master Film Music series发行于1988年的收有组曲和主题曲以及杰瑞·戈德史密斯的巡回演唱会中最让人津津乐道的音乐的现场录音版本的收藏集。原价大概100美元到125美元之间，但是后来这个专辑的录音授权了给其他的公司发行所以现在这一版本收藏价值已经不大了。

    杰瑞·戈德史密斯的作品在1997年以来一直被第三方公司改编和重录制发行。Varese Sarabande发行了一张名叫Frontiers的合集，包含了他最好的科幻电影配乐， 后来其他品牌也纷纷跟进在全球范围内发起相似的改编合集潮。重新发行的杰瑞·戈德史密斯最好作品的完整加长版如Patton,（巴顿） Tora! Tora! Tora!（虎！虎！虎！）, Stagecoach, A Patch of Blue, Star Trek: The Motion Picture（星舰奇航电影版）, Rio Conchos, The Swarm, and Poltergeis也使唱片店的柜台生色不少，这些后期发行的杰瑞·戈德史密斯杰作都是音质极好的完整加长版本，把乐迷乐坏了。与此同时，由于杰瑞·戈德史密斯的作品是如此的多，他不少九十年代比较不为人知的作品已经完全绝版并且从唱片店里消失了，让那些收藏家和杰瑞·戈德史密斯的“完整收藏”级别的爱好者日子非常不好过。

    杰瑞·戈德史密斯在进入二十一世纪以后继续扩展他的事业领域。1998年他为迪斯尼动画电影Mulan（花木兰）制作的史诗配乐被提名为奥斯卡最佳原创配乐，这是他第一次也是非常成功的一次与迪斯尼的合作。与此同时，他的爱好者们也一直很高兴他一直继续如同他的天赋权利般的配乐系列，到他的最后几年也一直为新世代星舰奇航（Star Trek）系列电影配乐。但是他的乐迷中的老一辈却一直认为他最精华的作品制作于1970和1990之间，包括他的经典作品Hoosiers, The Russia House, The Wind and the Lion, Patton（巴顿）, 和Under Fire。不论到他手上的是那个类型的电影，不论是动作片、浪漫爱情片、科幻片还是西部片，杰瑞·戈德史密斯总是能用无限热情和创意制作音乐，给予他的乐迷以无数令人如痴如醉的乐章。

杰瑞·戈德史密斯的背景资料 : 

     杰瑞·戈德史密斯生于1929年2月10日。他向Jacob Gimpel学习钢琴还向Mario Castelnuovo-Tedesco学习乐理和用对位法谱写音乐。他还上了西弗吉尼亚大学由Miklos Rozsa教授的电影音乐制作课程。1950年他以打字文员的身份进入CBS的音乐部门。在那里他开始得到为"Romance" 和 "CBS Radio Workshop."这些电台节目制作音乐的机会。他每周为节目制作一段音乐并在节目播音的时候现场播放。他在CBS待到1960年，期间为"The Twilight Zone."配了乐。之后他受雇于Revue Studios为"Thriller" 系列配乐。与此同时，他结识了大配乐师Alfred Newman， Alfred Newman发现了他的才华，1963年雇他为电影Lonely Are The Brave配乐，这是他第一个大型电影配乐。

    他很快以他为A Patch of Blue (1965), The Blue Max (1966), and The Sand Pebbles (1966)制作的宏大史诗配乐打响名堂。作为一个试验家，杰瑞·戈德史密斯坚持不懈的推进电影音乐的进步。1968年的Planet of The Apes（人猿猩球）的配乐里包括不带吹口吹奏的喇叭和吹木箫者不用吹奏而是用手指弹奏（译者注：老天！）与此同时，他的Patton（巴顿） 和 The Wind and the Lion 均获得奥斯卡奖提名，证明他已经成为制作各种好莱坞主题的行家，无论投胎再世还是阿拉的军事力量到心灵之谜他的配乐都是手到捻来。到他以1976年的The Omen 赢得他的第一座奥斯卡之后，他开始了一种新的试验：电子音乐。

    他一点不怕使用现在已经大量使用的各种各样的电子声响和电子设备，尽管不是用作它们原有的领域。在七十年代后期和八十年代，他大受批评家们好评的一系列作品: Star Trek: The Motion Picture, Under Fire, 和 Hoosiers, 他都有伴以最上乘的电子伴奏。九十年代，已经成为后来的配乐师Joel Goldsmith父亲的杰瑞·戈德史密斯开始大量制作电影配乐，证明他在经历了四十多年的配乐生涯以后一点都没有失去他的灵感。他为The Russia House, Rudy, The Ghost and the Darkness制作了音乐，The 13th Warrior（第十三武士）是他后期的作品的一个亮点.

      杰瑞·戈德史密斯为人和蔼可亲，是最好相处的配乐师之一。很多导演和制片人一直邀请他为他们制作音乐，他一点都不会拘泥于接受制作某种特定类型的音乐。他的幽默感也很著名，比如他在为Planet of The Apes（人猿猩球）配乐的时候戴了个猿人的面具。他最近仅有的几个被退回的计划（在制作后期被制片人或者导演弃用的配乐）包括Alien Nation (1988), Gladiator (1992), The Public Eye (1992), 以及他最后的作品, Timeline (2003) 

     杰瑞·戈德史密斯在与癌症进行了长期抗争后在2004年7月21日辞世，享年75岁。他在他Beverly Hills家中睡眠中安详辞世。他遗下他妻子Carol，子女Aaron, Joel, Carrie, Ellen Edson 和 Jennifer Grossman，以及6个孙子和1个曾孙。

Danny Elfman,美国，代表作:《剪刀手爱德华》,《蝙蝠侠》I,II,《阴间大法师》，《断头谷》，《神驹黑美人》,《不可能的任务》,《心灵捕手》,《黑衣人》,《蜘蛛侠II》,《芝加哥》

    丹尼·叶夫曼（Danny Elfman）于１９５３年５月２９日生于德州，他的父亲是一名老师，母亲则是一名小说家，并且曾以电视剧本获得艾美奖．虽然出生在德州，但是Danny Elfman在洛杉矶渡过他的童年，１８岁时移居法国，并且加入了当地的表演艺术剧团，由于有许多接触各类音乐元素的机会，Elfman的音乐生涯也在自我摸索中展开，之后他曾经旅居非洲，几年后返回美国，并组织了一支名为“The Mystic Knights of Oingo Boingo”的乐团，这支乐团后来曾更名为“Oingo Boingo”，直到１９９５年才正式解散，这支科技摇滚乐团表演了Danny Elfman的第一部电影配乐，这一部电影则是他的哥哥Richard Elfman的作品《Forbidden Zone》，只是这完全是一个无心插柳的作品，Danny Elfman并不曾想过自己有一天会成为一名电影配乐家，只不过这是一个自家人拍的电影，自己又是玩音乐的，理当拔刀相助，但是这个作品却受到了导演蒂姆·波顿（Tim Burton）的注意，Tim Burton当时正在筹拍自己的电影处女作《Pee-Wee's Big Adventure》，他力邀Danny Elfman为这部影片配乐，日后Danny Elfman回想起来，心中仍然十分纳闷，蒂姆·波顿当初怎么想到要找一个玩摇滚乐团的人来做管弦电影音乐，只是既然导演认为行的通，Danny Elfman觉得也不妨一试，于是他找来了“Oingo Boingo”的另一名成员Steve Bartek，将他为《Pee-Wee's Big Adventure》所作的音乐做交响编曲的处理，结果完成了风格十分独特的电影配乐，不仅就此展开Danny Elfman和Tim Burton十多年的合作无间，也展开了Danny Elfman独树一帜，特立独行的电影配乐生涯．

　　电影配乐家中很少有人像Danny Elfman这样风格鲜明，几乎无法被模仿复制，他的音乐完全是电影音乐中的另类，却叫人不由自主的着迷，虽然有许多电影音乐家在古典系的交响音乐作曲中，也试图融合各种现代的音乐元素，但Danny Elfman大概是唯一将交响作曲做的这样迷幻摇滚，这样不可捉摸，让人无法去归类他的音乐，他的音乐不属于任何一种音乐，因为他的音乐就是很、很Danny Elfman！

　　Danny Elfman个人拥有一个电影音乐工作室，他的配乐由他担任作曲，但由其它的工作伙伴们分别完成交响编曲，指挥和录音的工作，我们不难想象这个团体有很高的工作默契，因为这么久以来他们合作的成品，在风格和品质上仍然维持的这么一致，不过这并不是指Danny Elfman没有能力一个人完成所有的工作，只是电影配乐制作的时间通常都很短，对Danny Elfman而言，他需要更多的时间来创作，所以一些无关创作的工作，需要其它人的分担协助，他曾开玩笑的说：我又不是John Williams，没有本事在这么短的时间内完成这么多事．不过一些不利于Danny Elfman的谣言却不径而走，有人指称Elfman只是一个依赖编曲家的配乐家，甚至质疑他的作品只是挂他的名字，音乐创意其实是出自其它的工作人员，不过随着时间过去，Elfman也渐渐对这类流言不以为意，他说：我的音乐就是我的音乐，我无法阻止别人怎么说怎么想，如果其它人以为我在自己的地下室锁了几个代笔音乐家，每天我去把我的旋律唱给他们听，然后就以逸待劳的等他们把乐谱交出来给我，让我拿着这些音乐去招摇撞骗，别人要这样想，我又有什么办法，我大概还会告诉他，不不不，你弄错了，不是几个代笔音乐家，像这种可怜的奴隶音乐家，我地下室少说锁了有二十个呢！

　　Danny Elfman的音乐背景和大多数的电影配乐家有很大的不同，他的音乐完全自成一家，无处师承，Danny Elfman表示，自己其实对古典音乐所知有限，但却一向是个电影音乐迷，他说：十五岁左右，我就能听着电影，然后猜出那是什么人的配乐！Danny Elfman自认对电影音乐的了解远多过古典音乐，他说：我想我是透过Herrmann，Korngold，Rozsa或者Franz Waxman这些电影音乐家，才了解华格纳或马勒的音乐技巧，说起来，那是一种二手的音乐知识．Danny Elfman在自我摸索中创造了电影配乐中前所未见的音乐型态，他的音乐彷佛都有着黑暗的背景，但黑暗的氛围中闪烁着迷离不定的灿烂，晦暗中反差着瑰丽，顽皮中流窜惊奇，充满诡谲的疯狂，令人心碎的凄美，总是这么出人意料，超乎想象，惊世骇俗却又每每令人拍案叫绝，在他的音乐中只有风格，没有规则，少了一份科班出身的规矩，却多了一种与众不同的颠覆魅力．

　　蒂姆·波顿对丹尼·叶夫曼慧眼识英雄，也成为Elfman的爱用者，几乎每一部电影都由DannyElfman担任配乐，许多Elfman最出色的代表作，都是蒂姆·波顿的作品，如古灵精怪的黑色喜剧《阴间大法师》，乐风顽皮讨喜却又灵气逼人，而《蝙蝠侠》则令动作电影乐迷惊艳不己，也奠定了美式漫画电影的音乐模型，并且为Elfman赢得一座葛莱美音乐奖，《剪刀手爱德华》除了丹尼·叶夫曼掼有的迷离与奇异外，更多了一份凄楚唯美，是Elfman公认最动人的代表作，至于描述火星人来袭的《火星人玩转地球》，音乐的表现则十分怪诞，风格上刻意模仿LKK的科幻配乐，做的又怪又可笑，当然，乐迷可以体会Elfman是故意的，只是怪的有些令人神经衰弱．而《断头谷》，乐风沉厚狰狞，兼具威胁性与灵幻美，Elfman的音乐实力显得越来越成熟稳健了．

　　叶夫曼的音乐和波顿的影片气质的确十分契合，同样都充满了漫画式的天马行空与异想天开，事实上他们的影片有不少正是取材自漫画，也因为如此，其它的导演若拍摄类似质感的影片，Danny Elfman也向来是不二人选，例如《狄克·崔西》或《魔侠震天雷》，甚至是电视影集如《闪电侠》和《辛普森家庭》等，都找上Danny Elfman担任配乐，而且Danny Elfman也都有出色的表现，其中大概只有三两声不成调的《魔侠震天雷》，表现的比较令人失望，是Elfman同型配乐中最沉闷的作品．

　　Elfman灵气森森的音乐风格，有灵异鬼片找上他自然不意外，况且如果要找一个节日来形容Danny Elfman，还有什么比“万圣节”更贴切，Tim Burton的奇想卡通《圣诞夜惊魂》，正好让Danny Elfman淋漓尽致的玩了一场，Elfman不但作词作曲，同时亲自演唱，黑暗热闹的音乐像一场黑色世界的嘉年华，而灵异电视影集《Tales From The Crypt》也由Elfman谱写开场曲，据说Elfman还是看上了主持影集的那个死人木偶才答应谱写主题曲的，不过话又说回来，找一个字来形容Danny Elfman的音乐，“Crypt”确实也十分传神．Danny Elfman的鬼怪电影音乐还有《神通鬼大》，只是这部配乐倒没什么特色可言，颇是让人失望．

　　除了乐迷熟悉的、古怪华丽的Danny Elfman，有时他还会有出人意表的作品，如《男儿本色》，如此优美动人，让人觉得天若有情天亦老的绝美抒情佳作，实在很难想象是出自Elfman之手，《神驹黑美人》的典雅细致，则展现了Elfman作品中少有的温馨纯真，浓郁的古典气息也和Elfman平时给人的印象大异其趣，至于他取代Alan Silvestri为《不可能的任务》（即《职业特工队》）所作的音乐，虽别具风格，但听起来却有些令人失望，甚至觉得电视影集的配乐还好一点，不过其实电影本身即是败笔，这个《不可能的任务》之所以不可能，是因为它根本不合逻辑，叫人一头雾水，Danny Elfman的音乐则飘渺的根本不像动作片，某个角度来看，倒也真的像电影一样匪夷所思，虽然《不可能的任务》不是一部很有娱乐性的配乐作品，不过Danny Elfman在音乐型态上转型的尝试，却可以在其中略见一二，接下来的《心灵捕手》等作品，Elfman的乐风走向飘渺，成熟，迷惘，细致的音色表现，一反其过去夸张奇异的手法，这显示，９０年代以后的Danny Elfman，开始寻求风格的突破，他在９６年之后，陆续发表了两套精选集，完整收录过去所有重要的音乐作品，这两套合计约２００分钟的精选集，也许可以视作他将迈向新的历程前，对自己过去作品的一番总回顾．

　　即使Danny Elfman的音乐早已深受影迷肯定，但他的非主流色彩，却使他一再的被金像奖忽视，时常让人替他叫屈，其实有时他本人也和学院派的音乐家画清界限，甚至戏称他们为“音乐名流”，但不管如何，１９９７年金像奖首次提名Danny Elfman，而且是双料提名，分别以《心灵捕手》入围戏剧类最佳电影音乐，《黑衣人（MIB）》入围喜剧及音乐剧类最佳电影音乐，虽然是迟来的肯定，不过在颁奖典礼上，当报出Danny Elfman的大名时，现场观众掌声如雷，人气丝毫不在大出风头的James Horner之下，足见大家都报以Danny Elfman相当的肯定，不论有没有得到金像奖，Danny Elfman都称得上成功，所谓主流与非主流的界限，似乎也在他充满颠覆能量的音乐中，渐渐模糊了．

Gabriel Yared,黎巴嫩，代表作：《巴黎野玫瑰》、《天使之城》、《英国病人》、《情人》、《瓶中信》《37.2℃》

蜚声世界乐坛的著名电影配乐大师盖布瑞·雅德(Gabriel Yared)，1949年10月7日出生于黎巴嫩。

　　虽然生在黎巴嫩，盖布瑞·雅德却是在法国获得了事业上的成功。他的代表作包括《纽约的秋天》、《天使之城》、《英国病人》、《情人》、《巴黎野玫瑰》等等。熟悉盖布瑞·雅德音乐的朋友可能都了解，他的配乐极具人物个性和地域性，并且一向很讲究气氛。

　　在《英国病人》原声音乐中，盖布瑞·雅德根据影片的时代特征和地理环境，将其音乐风格划分为具有复古气息的巴洛克音乐和展现北非风土人情的阿拉伯音乐两大类。作为一部堪与《日瓦戈医生》相媲美的爱情史诗片的电影原声专辑，《英国病人》除了在巴洛克和阿拉伯式的整体音乐风格上令人动容之外，还安排了不少富有时代特征的既成音乐的歌曲，其中包括老牌爵士乐艺人和爵士乐团深情演绎的插曲。尽管这些曲子在影片经常是断断续续地出现，但这些时代音乐小品却让乐迷不知不觉沉醉在当时的背景而难以自拔。与不少靠商业性的歌曲来拼凑的所谓电影原声，盖布瑞用心良苦显而易见，也因此囊括了当年的奥斯卡、金球、格莱美、英国影艺学院等多项电影配乐大奖。

　　众所周知，与气势恢弘的美国电影配乐相比，欧洲的电影配乐一向学院气息很浓。它们讲求的是小中见大，即以简单朴素的旋律来展示人物的内心，以静态的音乐来表现动态的场景。这样有时虽会给人一种沉闷枯燥的感觉，但也值得乐迷长时间地细细咀嚼。

　　盖布瑞·雅德说：《英国病人》的主题曲本可以象《辛德勒的名单》那样感人肺腑，只是它的主旋律不如后者令人印象深刻。虽然，人们都认为这张专辑中的音乐十分符合影片的内容，但我总觉得少了些什么。由于曲目上的限制，一向擅长演奏巴洛克音乐的圣马丁室内乐团的表现也不如他们在《莫扎特传》当中的尽情发挥。但无论如何，我对乐队的钢琴师John Constable和音乐歌曲的编排还是很满意的。

　　今年奥斯卡提名电影《冷山》，导演过《英国病人》的安东尼·明格拉仍旧是请来了合作伙伴弦乐大师盖布瑞·雅德为这部电影的配乐担纲制作，盖布瑞以钢琴∕提琴∕弦乐编制，谱写出一篇强忍悲怆的柔美乐章，深沉的烙印剧中人物的内心创痛。他的配乐完美的捕捉了同时展现在电影中的阳光下意大利的迷人魅力和人性底层阴暗面蠢蠢欲动式的紧张感。

　　电影音乐往往影响一部电影的质感，但在奥斯卡得奖法则中，却是影片在其他奖项的表现影响音乐的得奖机率。对曾三次入围，并抱走其中一座奖杯的盖布瑞·雅德而言，可能会有个坏消息：《冷山》在其他奖项遭到严重冷落，恐怕会连带使得《冷山》的原著音乐一起被冷冻。但盖布瑞或许不担心，因为此时恐怕他正忙着他个人涯中最浩大的作品《特洛伊：木马屠城》呢。

Alfred Newman,美国，代表作：《呼啸山庄》《钟楼怪人》《青山翠谷》《彗星美人》《圣女之歌》《生死恋》《国王与我》《圣袍干秋》《真假公主》《安妮·弗朗克的日记》《西部开拓史》

　　喜爱看好莱坞影片的观众大都对所谓的八大影片公司的片头标识不会陌生，诸如米高梅公司的那头狮子晃晃脑袋地吼两声。环球公司那条围系在地球上熠熠生辉的金腰带等。其中最具音乐性的莫过于二十世纪福克斯公司了，那个带有胜利号角意味的旋律主题正是出自阿尔弗雷德·纽曼之手。  

     阿弗雷德·纽曼，1901年3月17日出生于康涅狄克州纽黑文，一个靠自产自销维持生计的小贩家中。他是这个犹太裔家庭中的长子，下面还有九个弟妹，穷困拮据始终伴随着他的童年。后来父亲又不告而别，更将这孤儿寡母推向绝境。考夫曼在回忆录中说“阿尔弗雷德成了一个母亲、两个妹妹和三个弟弟唯一的希望”(其余弟妹因贫病而夭折)。世道艰辛却动摇不了纽曼对音乐的浓厚兴趣。大约从五六岁起他就靠上街卖鞋线积攒零钱，然后把它们交给当地的一个老师，让他给自己上钢琴课。这个钢琴老师的本职工作是房屋油漆匠，尽管自己专业水平有限，但仍要每次收二十五美分的学费。为了练琴，纽曼要每天步行十公里到一个有钱的小伙伴家里去练琴。凭着这份勤奋刻苦，纽曼进步非常快。 

   随后，在众多亲朋好友的合力相助下，纽曼找到了另外一位老师继续学习钢琴和和声。八岁的纽曼在当地已有些小名气了。一次当波兰共和国第一任总理，杰出的钢琴大师帕德雷夫斯基来此造访时，他被推荐在这位钢琴大家面前弹奏一曲，博得了大师的称许。帕德雷夫斯基运用自己在政治上、音乐上的声望为纽曼在纽约安排了一场独奏音乐会，并把这个富有天份的孩子介绍给自己的弟子，波兰钢琴家兼作曲家斯托霍夫斯基(Sigismond Stojowski, 1870－1946)。斯托霍夫斯基果然赏识纽曼，为他提供了一笔奖学金，解决了纽曼继续求学的后顾之忧。

   但是，作为长子，十三岁的纽曼不得不在纽约的“海滨剧场”找了一份为杂耍节目担任钢琴伴奏的工作。伴随着剧团不断地外出巡演，纽曼的名气也渐渐地响了起来，这为他后来打进百老汇提供了机遇。二十岁那年，纽曼与当时赫赫有名的作曲家乔治·格什温交上了朋友。在纽约哈莱姆区的剧院舞台上，纽曼的艺术才华有了进一步施展的空间。他学习指挥，曾指挥由格什温兄弟(乔治和艾拉)创作的《宝贝姑娘》《古怪的面孔》、理查·罗杰斯与洛伦兹·哈特合作的《这里是春天》《抬起头来》以及杰罗姆·克恩的《十宇》等音乐剧的演出。同时，纽曼又学作曲，创作了一些歌曲和几部音乐剧。

   从纽约的百老汇到洛杉矾的好莱坞，对于阿尔弗雷德·纽曼的人生而言，是一次决定性的转折。促成他完成这种转换的是欧文·伯林(Irving Berlin, 1888－1989)—美国二十世纪最成功的流行歌曲作曲家。从1935年起，伯林就开始转型为好莱坞电影作曲。他瞅准了纽曼身上所具备的巨大潜质，力劝这位后生随他一道去西海岸淘金。

   初抵好莱坞，纽曼就露了一手，他担任了由欧文·伯林创作的歌舞片《到月球上去》的配乐指挥。影片良好的音乐效果令联艺影片公司的老板塞缪尔·戈德温刮目相看，当即与之签约，出任公司的艺术指导。自此，纽曼就一脚踏入电影这个银色世界，在里面摸爬滚打了半个多世纪，成就了一番大事业。在联艺公司，他是音乐部门的双巨头之一，另一位同样威名赫赫，他就是为影片《卡萨布兰卡》《乱世佳人》《左拉传》和《间奏曲》等作曲的马克斯·斯坦纳(Max Steiner )。纽曼创作的首部影片配乐是《当心恶魔》(The Devil To Pay)，由此为发端，他以平均每年八到十部配乐的产量高效率地工作着。不过，论他的创作成就，最具影响力的还是他转投二十世纪福克斯影片公司之后。从1939年起，纽曼担任公司音乐部负责人长达二十年之久。在此期间，他无论是在自己的创作业绩上，还是在组织、管理、提携其他的音乐从业者两方面都取得了令世人瞩目的成就。

   到二十世纪福克斯的第一年里，纽曼就一口气创作了十八部影片配乐，故而在次年的奥斯卡音乐奖提名时他一人就独占了四部，分别是《呼啸山庄》《钟楼怪人》《他们将会拥有音乐》和《山雨欲来》。不过，在评委投票时，同一人选的重复提名往往自相残杀，所以在这一年里，纽曼什么奖也没得着，最佳影片音乐奖由《关山飞渡》所获。 

   大约在一年之后，纽曼有机会与《关山飞渡》的大导演约翰·福特合作，为福特执导的影片《青山翠谷》( How Green Was My Valley)创作配乐。在《青山翠谷》的音乐中，纽曼使用了自己在1935年为米高梅公司一部关于爱尔兰革命的影片《受爱戴的敌人》中用过的主题，同时还采用了一首美丽动听的民谣《六便士》，这使得该片的配乐非常温馨感人，极大地提升了影片的艺术感染力。该片于1941年荣获包括最佳影片、最佳导演在内的五项奥斯卡大奖。

   纽曼的座右铭是：“坐穿冷板凳，磨秃烂笔头”( Sitting in a room, wearing out pencils)。正是这种严谨细致的治学理念使得他的音乐创作不断精益求精，产生出与镜头画面极其和谐、呼应的艺术效果。纽曼一生总共为二百六十九部影片创作配乐，担任配乐演奏指挥和音乐顾问的影片达一百六十二部。他九次获得奥斯卡奖，分别是第十一届获最佳配乐奖的《乐府沧桑》(Alexander' s Ragtime Band, 1938)、第十三届获最佳配乐奖的《仙乐街》(Tin Pan Alley, 1940),第十六届获最佳剧情片与喜剧片配乐奖的《圣女之歌》(The Song Of Bernadette, 1943)、第二十届获最佳歌舞片配乐奖的《年轻的妈妈》(Mother Wore Tights, 1947)、第二十五届获最佳歌舞片配乐奖的《情泪心声》(With A Song In My Heart,1952)、第二十六届获最佳歌舞片配乐奖的《夫人请给我来电话》( Call me Madam, 1953 )、第二十八届获最佳剧情片与喜剧片配乐奖的《生死恋》(Love Is A Many SplendoredThing,1955)、第二十九届获最佳歌舞片配乐奖的《国王与我》(The King And I, 1956)和第四十届获最佳配乐奖的《卡梅洛特》(Camelot, 1967)。此外，曾荣获最佳配乐奖提名，影响较大的代表作还有《国家事务》(1945)、《彗星美人》(1950)、《真假公主》(1956),《南太平洋》(1956),《西部开拓史》(1963)等三十六部。纽曼的几项个人记录迄今仍未有人打破!

   然而，颇具讽刺意味的是，在世人眼中，他作为乐曲改编者和指挥家的成就还是要高于作曲家。评论家们指出：作为前者，他能够将民谣曲调或所谓的“伪民谣”巧妙地改编成乐队或是合唱作品，运用在他的配乐中，从而使这些为人耳熟能详的音乐产生前所未有的艺术感染力。有时他更能将一两个好听的素材衍生发展得如诗如画，令人有魂系梦绕、经久难忘。自然，作为一位喜好交际的音乐家，纽曼本人也更喜爱指挥，他的指挥风格融浪漫的伤感和迷人的狂热于一体，能够充分调动出整个乐队的情绪。然而他的原创却似乎不像他的两位同事赫尔曼(Bernard Herrmann)和罗萨(Miklos Rozsa)的音乐那样那样充满着无畏和冒险精神，总是显得调性十足，雅俗共赏。也许这就是纽曼的天性使然。纽曼谦虚随和、平易近人，与敏感而反复无常的赫尔曼以及拒人千里之外的罗萨构成了鲜明的对比。

   尽管他的音乐相对比较传统保守，却更易获得电影观众的喜爱。在酝酿电影史上空前的鸿篇巨制《西部开拓史》(How The West Was Won)的配乐时，纽曼意识到需要大量的背景音乐以渲染铺垫十九世纪中期南北战争前后一百多年的历史画卷。在他的合作者肯·达比(Ken Derby)的帮助下，纽曼最终完成了这份音乐总谱。为了表现那个特定的时代，他广泛采用了美国历史上各个时期广为流传的民歌，如《约翰尼回家中》《绿叶》甚至还有托马斯·哈汀创作的灵歌等。 　

   作为福克斯公司音乐部的负责人，纽曼温文典雅的长者风范也使他的团队成为一支高效和谐的生力军。受他提携栽培，在电影音乐创作领域陆续崭露头角的后辈作曲家除前面提及的赫尔曼、罗萨外，还有大卫·拉辛(David Raksin )、约翰·威廉姆斯(John Williams)等。所谓“举贤不避亲”，后来，阿尔弗雷德的两个弟弟莱昂内尔和埃米尔也相继加入，成为影坛著名的纽曼三兄弟，一时传为美谈。

   1959年，阿尔弗雷德·纽曼告别了他工作了二十年的二十世纪福克斯影片公司，成为独立的艺术家。他始终没有放下手中的笔和指挥棒，直到1970年去世前，他还为乔治·西顿执导的《国际机场》完成了配乐。他使用早期的爵士语汇来表现机场日复一日、紧张忙碌的工作景象，配乐也为纽曼获得了他一生中最后一次奥斯卡奖提名。  

   1970年2月17日，一代影坛音乐大师纽曼因肺气肿辞世，他的忌日恰与生日为同一天。在他六十九年的人生岁月里，以平均每年四部电影配乐的高产量为自己树立起一座丰碑，正如大卫·拉辛所说：“只有当你与他一起共事多年之后，你才能越来越意识到他在电影音乐领域的影响和意义有多么地巨大。

莱昂奈尔·纽曼与埃米尔·纽曼

　　莱昂内尔·纽曼( Lionel Newman ) 1916年出生，从小就喜欢上了音乐。十几岁时，他从一位洛杉矶指挥家厄尔·卡罗尔(Earl Carroll)那获得了指挥的启蒙。在以后的几年里，他受雇于影片公司担任无声电影的钢琴伴奏。从1943年起，莱昂内尔进人二十世纪福克斯影片公司，一干就是四十年。他从最底层的钢琴伴奏做起，以后先后担任乐队指挥、作曲、编配和音乐顾问等多重角色。 　

   就电影音乐创作而言，莱昂内尔也堪称是高产快手，他参与创作，改编或指挥演奏的电影不下二百五十部。然其影片的知名度则大大逊色于阿尔弗雷德。不过。其中有一部人们不可能不知道，那就是1956年由美国红极一时的摇滚歌星“猫王”埃尔维斯·普莱斯利主演的《铁血柔情》( Love Me Tender) 片中由其演唱的主题歌《温柔地爱我》是一首脍炙人口的流行情歌，它的音乐即出自莱昂内尔之手。莱昂内尔创作的电影配乐曾十一次获得奥斯卡奖提名，最终凭借1969年由芭芭拉·史翠珊主演的喜剧片《我爱红娘》(Hello Dolly)夺得最佳音乐奖。他的代表作尚有被誉为“好莱坞科幻片里程碑”的《地球停转之日》等。

   老一代纽曼三兄弟中的另一位埃米尔·纽曼（Emit Newman)尽管也在二十世纪福克斯影片公司效力，然其业绩似乎可用惨淡经营来形容。他的代表作很少，能够一提的仅是1941年为影片《太阳谷小夜曲》(Sun Valley Serenade)所作的电影配乐。这是一部反映一位挪威难民出身的美国音乐家的人物传记片一。影片音乐由于吸收了爵士乐大王格伦·米勒乐队演奏的多首著名爵士乐曲，因而得到了当年奥斯卡的三项提名。

戴维·纽曼、托玛斯·纽曼和玛丽娅·纽曼

　　在好莱坞演艺圈内有一个非常有名的演艺家族—巴里·摩尔家族。由曾主演《毒常春藤》《夺命尖叫》和《霹雳天使》等影片出名的女影星德鲁·巴里·摩尔上溯四代，该家族中出的影星多达二十余人。而纽曼家族也不示弱，难怪在好莱坞流传着这样一句话：“当巴里·摩尔们准备着一个个粉墨登场时，纽曼们正在一个个分秒必争地写着电影音乐。”

   戴维、托玛斯和玛丽娅都是纽曼家族的“族长”阿尔弗雷德的子女。对于一位犹太后裔来说，子息的众多历来是犹太民族期盼繁盛兴旺的牢固信念。阿尔弗雷德与他的父亲一样，也生有十个子女。他一生结过三次婚，这十个子女分别是他三次婚姻的产物。据说当年每当他的母亲听说儿子又一次结婚的消息时总会喜不自胜，喃喃道“那太好了。”之后还会加上一句：“这个穷小子是该出头过上好日子了。”他的第三位妻子玛尔塔·蒙哥马利生了五个子女，其中的三个就是戴维、托玛斯和玛丽娅，他们都成为乃父音乐事业上最直接的承袭者。

   戴维·纽曼( David Newman )的情况有些类似他的叔叔埃米尔，虽顶着阿尔弗雷德·纽曼儿子的大名，在影坛也打拼多年，无奈成绩并不彰显突出。至今为止他总共创作了近七十部影片配乐，但为人们所熟悉的可能就属1996年由黑人谐星埃迪·墨菲主演的那部古怪搞笑的《肥佬教授》和2002年由二十世纪福克斯影片公司出品的动画片《冰河世纪》了，其余之作似乎乏善可陈。

   而戴维的兄弟托玛斯·纽曼(Thomas Newman)可就不一样了，他堪称是第二代纽曼中的佼佼者。托玛斯1955年10月22日出生于洛杉矶，自幼即开始学习小提琴和钢琴。从南加州大学毕业后更是通过两年学习获得了耶鲁大学音乐硕士学位，这也是纽曼家族中学历最高的一位音乐家了。不过，在他轻狂岁月他主要迷恋的却是流行音乐，七十年代后期更是厮混于摇滚乐队，担任键盘手。直到1983年他才杀向电影音乐领域。果然是将门虎子，入得门来即有咄咄逼人之势，入行的第二年就开始独当一面地涉足于电影音乐创作。他的第一部作品是1984年的《鲁莽》( Reckless )，其后便进入商业化的高产通道。他头一部引起世人注意的影片配乐是1985年由性感影星麦当娜主演的《绝望地寻找苏珊》(Desperately Seeking Susan)，其后他以其个性化十足的电子加管弦乐的配乐风格又相继创作了《迷失的男孩》和《零度以下》。

   经过大约十年的历练，进入上个世纪九十年代托玛斯更踌躇满志地朝奥斯卡发起了冲击。1994年他有两部影片获得奥斯卡最佳音乐奖提名，它们分别是由蒂姆·罗宾斯主演的《肖申克的救赎》和由薇诺娜·瑞德、苏珊·萨兰登等主演的新版《小妇人》。在这两部影片中，托玛斯的创作技艺显得越发成熟，他的成就也愈益得到听众的首肯。1999年荣膺奥斯卡最佳影片大奖的《美国丽人》(American Beauty)的音乐就出自托玛斯之手。与戴维相比，尽管创作数量不及其兄，然其配乐影片影响之大，提名机率之高则令戴维望尘莫及。今日的托玛斯无论是创作年龄还是从艺阅历都正处于巅峰期，故而他的每一部作品都受到世人的瞩目。他的代表作还有由汤姆·汉克斯主演的《绿色奇迹》(1999年)和荣获奥斯卡最佳动画长片金像奖的《海底总动员》(2003年)。而2002年他以影片《毁灭之路》(The Road to Perdition)所作配乐再次获奥斯卡奖提名。看来托玛斯手执小金人，一吻其芳泽的荣耀时刻已指日可待。

   与这两位男性纽曼不同，他们的妹妹玛丽娅是古典音乐科班出身的小提琴家兼中提琴家，她先后毕业于伊斯曼音乐学院和耶鲁大学音乐系，近年来也涉足作曲领域，曾作为驻团作曲家在洛杉矶的莫扎特管弦乐团和圣马丁室内乐团任职多年。鉴于她所表现出的作曲才华，2004年她受玛丽·璧克馥(Mary Pickford 1893-1979)基金会委托，为这位当年有“美国甜心”之称的早期好莱坞女影星的无声片代表作《长腿爸爸》《黛西曾经说什么》和《爱之烈焰》等创作新的电影配乐。

兰迪·纽曼和乔伊·纽曼

   兰迪·纽曼(Randy Newman)是阿尔弗雷德的侄子。前文曾说到早年的阿尔弗雷德要负担两个妹妹和三个弟弟。后来莱昂内尔和埃米尔先后步他后尘走上了电影创作之路，而另一个弟弟艾尔文却抱定悬壶济世的宗旨，成了一位知名的医生一一尽管他也曾经为上个世纪三四十年代的著名流行歌王平·克劳斯贝写过一首歌。兰迪即是艾尔文之子，而艾尔文身上这仅有的一点点音乐天赋也就遗传给了这个儿子。

   兰迪出生于1943年11月28日，他很早就已显露出他在演唱和钢琴演奏方面的音乐天赋，总奈老爸也许是感到家族中从事这一行的人实在太多了，极力反对他投身家族的传统事业中去。然而，兰迪对此不以为然，十七岁时他成为了一位词曲作者。后来他在一位好友伦尼·沃尔洛克的引荐下与一家名为“反复”的唱片公司签订了录制一张唱片的合同，他当即义无反顾地从洛杉矶大学辍学，而原本他应该在那里学习音乐一直到毕业。1968年，二十五岁的兰迪首次以歌手的身份亮相于舞台，而在此前相当长一段时间里，由他创作的那些词曲俱佳，形式多样的歌曲已由当时一批著名的歌星传唱开来，他们之中包括老牌情歌王子派特·伯恩(Pat Boone)，裘迪·柯林斯(Judy Collins )以及眼下因新发行的传记片而又一次大红大紫的黑人盲歌星雷·查尔斯(Ray Charles)等。  

   兰迪的歌曲创作深受“民谣摇滚”先驱鲍勃·迪伦的影响，不过他的风格较之迪伦的民谣型显然更受惠于新奥尔良的黑人布鲁斯和传统流行歌曲的鲜明特征，从他早年创作的《我想今天该下雨了》《远航而去》到近期的代表作《世界无公平而言》和《欧洲的伟大民族》等都展示了他在这方面的创作才情。不过，兰迪创作的流行歌曲尽管影响不小，但商业成就不高，他创作或演唱的唱片大都销路欠佳。直到1981年开始他开始涉足电影音乐，这才一扫前期的晦气，迎来了自己的艳阳天。该年，兰迪为著名导演米洛斯·福尔曼执导的影片《拉格泰姆》创作配乐，获得了他一生中头两个奥斯卡最佳音乐奖的提名，分别是最佳原创音乐和最佳歌曲。1984年他因创作影片《白痴》(The Natural)一举夺得格莱美音乐奖。

   进人九十年代，兰迪的电影音乐创作势头益发红火，1990年的《Cop Rock》获电视艾美奖。1995年因《玩具总动员》中的主题曲《你得到了一个朋友》( You' ve Got a Friend )再获奥斯卡提名。此后便是1996年的《詹姆斯和巨桃树》，1997年的《猫不会跳舞》，1998年的《昆虫总动员》和1999年的《玩具总动员》等，可谓好戏连台，成绩斐然。他因《昆虫总动员》《玩具总动员》和《怪物公司》又三取格莱美奖，成为好莱坞动画电影首屈一指的电影作曲家。直到2002年，已年近花甲的兰迪才平生第一遭迎来了他梦寐已久的奥斯卡小金人，即是他为《怪物公司》所作的主题曲《假如我没有你》征服了奥斯卡的评委们。兰迪如释重负地说：“这样当我去世后，我就可以在自己讣告中写上‘奥斯卡奖获得者’的头衔了。”

   兰迪创作的影片配乐代表作还有《赌侠马华力》(1994年)、《猪宝贝进城》(1998年)、《拜见岳父大人》(2000年)和《奔腾年代》(2003年)等。

   乔伊·纽曼(Joey Newman)则是纽曼家族中的第三代传人，他的父亲乔·弗兰克·卡罗洛(Joe Frank Carollo)是一位摇滚兼布鲁斯低音倍司乐手，七十年代他曾以“汉米尔顿、乔·弗兰克和雷诺兹乐队”的演出而在流行乐坛小有名气。乔伊的母亲詹妮芙·纽曼则术有专攻，是纽约市立芭蕾舞团和波士顿芭蕾舞团的专业演员。在他们的教育下，乔伊长大成人。当然，对他施以更大影响的则是他的外祖父莱昂内尔·纽曼以及他那几位在电影音乐圈内混得如鱼得水的舅舅：戴维、托玛斯，还有兰迪。

   乔伊出生于1976年，凭着对音乐节奏与生俱来的敏锐感觉，从三岁起就开始学习击鼓，并在八岁那年拥有了自己的第一套鼓乐器。九岁时他又被选入洛杉矶教会唱诗班的童声合唱团，在那里他曾于造访的德国柏林歌剧院和世界著名男高音多明戈同台演出歌剧《托斯卡》和由康戈尔德作曲的《死城》。同年又在洛杉矶大学的罗伊斯大厅演唱《波希米亚人》。乔伊十一岁起又学习钢琴，同时练习打鼓自学不缀，直到他十五岁时才有了一位专业的打击乐教师，他就是资深的打击乐手迈克尔·巴尔西曼托。

   成年后乔伊进入波士顿的贝克利学院学习作曲与指挥，四年后毕业于该校。当年，他指挥了一首二十八个片断组成的管弦乐作品，这是由他本人作曲的《风景画》。这部乐坛处女作使乔伊获得了“罗伯特·谢尔”奖。尽管乔伊的成长和学业似乎一帆风顺，然而他清醒地意识到他的未来仍难脱离“家族生意”，可是在1999年他重返洛杉矶，开始与艾美奖得主沃尔顿(W·G·Walden)合作主持为ABC, NBC和CBS三大广播公司的电视片创作音乐。

   2003年，由乔伊创作配乐的影片《偷时间》(Stealing Time)成为他正式登上家族传统事业舞台的处子作，从他的创作中人们发现他的风格与他舅舅托玛斯的极为相似，主题具有震撼恐怖色彩，而在影片中着墨更多的情感片断乔伊则采用了令人愉悦的钢琴和木管乐器以增加其温馨浪漫的气氛。整部作品的写作显得顺畅自然，尤其是影片结尾那段“死亡的蒙太奇”场景更显示出他手法的老辣与娴熟。很显然，这位未及而立之年的年青人业已成长为纽曼家族又一位令人生畏的大人物。作为家族中的“新新人类”，乔伊还与时俱进地开辟创作新领域，如他就为世界上最大的在线游戏网站—韩国的“线性时代”创作过电玩游戏《血誓》的背景音乐。

   “纽曼们意味着什么?他们的名字总与什么维系在一起?”著名乐评家詹姆斯·索夏尔在他的文章开头这样问道，想必您看了此文之后也一定会同意他的结论：“纽曼们的名字是与市场浸泡在一起的。从一个纽曼到另一个纽曼莫不如此。无论你属于电影音乐的哪一代乐迷，你都至少会选择一位纽曼将他奉为你的偶像，可我敢说更多的可能是你会选择二位、三位甚至更多!”

20TH CENTURY FOX FANFARE

　　(ALFERED NEWMAN 1954)

　　20世纪福克斯公司号角（阿尔弗雷德·纽曼，1954）

　　 阿尔弗雷德·纽曼短暂的非立体声号角最初出现在19世纪30年代中期，后为了对福克斯公司出品的产品有一个标志性的区分，1954年，他将那声号角延长并改成了立体声（此时约翰·威廉姆斯是福克斯公司管弦乐团的钢琴师）。到60年代后期，西尼玛斯科普式宽银幕立体声电影已经被其它的宽银幕格式所代替，这一标志性的号角声没能继续使用下去。直到乔治·卢卡斯的巨制让福克斯公司在1977年发行的《星球大战》之时再次使用了这个标志性的声音，在随后的几十年里，这一标志性的声音被广泛应用。

Louis Bacalov，意大利，代表作：《邮差》

     意大利作曲家路易斯·巴卡罗夫(Louis Bacalov)于60年代开始电影音乐创作。在笔者的个人数据库里，除了《邮差》以外，他名下还有一部1983年的法国影片《Entre Nous》(英文是Between Us——“我们之间”，由法国女性导演Diane Kurys执导)。除此以外，我对这位意大利人也知之甚少，他并不在作曲名流之列。但就是他得到了1995年度奥斯卡评委们的青睐，以一部旋律质朴动人、配器淡雅独到、充满乡土气味的“邮差”配乐，战胜当年参加角逐的另外千部“劲敌”——大名鼎鼎的约翰·威廉姆斯(John Williams)谱写的政治片《尼克松》(Nixon)；如日中天的詹姆斯·霍纳(James Horner)参与的两部好莱坞大制作《阿波罗13》(Apollo 13)和《勇敢的心》(Brave heart)；以及由英国作曲家帕特里克·多伊尔(Patrick Doyle)作曲的古典文学著作改编题材名片《理智与情感》(Sense ＆ Sensibility)等。一部不起眼的意大利影片获得了第68届奥斯卡最佳剧情片配乐奖。我想，打动奥斯卡评委的，也许正是《邮差》配乐里与影片题材、时代和地域相吻合的那种朴素本色。

获奖情况：

1996 奥斯卡 - 获奖, 最佳音乐及戏剧配乐奖 - 《Il Postino》邮差

Luis Enríquez Bacalov 1933年出生于阿根廷的布宜诺丝爱利丝。在他很小的时候就开始接受音乐教育，并和Enrique Barenboim等人学习钢琴。在阿根廷的时候他便已开始录制唱片，并在一些音乐会上表演，有时还进行独奏，后来为哥伦比亚的电视电台公司工作（也就是由于他精湛的钢琴技艺，后来他录制了一张配乐大师Nino Rota的钢琴专集）。再后来Bacalov移居欧洲定居在意大利，作为一位作词作曲家加入了RCA公司，有一段时间他为一些歌手写歌还进行一些钢琴演奏工作。1960年他为一部名叫 "La Ragazza Con La Valigia"电影担当一些编排工作，就是在这部作品中的出色工作表现使他得到了他的第一部配乐作品"I Due Della Legione Straniera"也由此开始了他的配乐人生涯。之后他和Diane Kurys, Pierpaolo Pasolini, Federico Fellini等一些导演合作，经常为一些意大利影片作配乐，并成为一位欧洲多产的配乐人。他比较著名的作品有"Django" (1966),"La Citta Delle Donne" (1980)，"Il Postino" (1994), "The Love Letter" (1999) 和 "Women on Top" (2000)其中最为出名的就是"Il Postino" (1995)邮差，战胜了勇敢的心，尼可松等作品，夺的1996年奥斯卡最佳配乐奖。在他的很多作品中都含有他所擅长的探戈节奏及构曲方式。除了配乐工作, Bacalov现在依然作为一位钢琴演奏家和他的探戈四重奏乐团经常在欧洲各地及拉丁美洲进行演出。

关于音乐：

作为一个阿根廷人他的音乐元素自然而然不会缺少他们的国粹艺术探戈了，也就是由于此使得Bacalov的很多作品在欧洲独树一帜，其中很多探戈乐器的运用，特别是bandoneon班德龙的使用，给人一种特有的动感，这里特别说下他的那部著名作品邮差其经典的主题音乐绝对可以在配乐史上留下深深的一笔了，当然关于这部原声的获奖一直受到很多人异议，这里我个人也不想做什么评论。这部邮差时常会让我想起ennio的天堂电影院，Nicola Piovani的美丽人生，的确这几部电影有着很多的相似之处。作为一位钢琴手，Bacalov的作品当然也还有钢琴元素，这也是很值得聆听的一个地方。

获奖情况：

1996 奥斯卡 - 获奖, 最佳原声音乐奖 - Il Postino邮差

1967 奥斯卡 - 提名，最佳原声音乐奖 - The Gospel According to St. Matthew马太福音

1995 英国电影学院奖 - 获奖, 最佳原声音乐奖 -Il Postino邮差

主要作品："The Gospel According to St. Matthew马太福音" (1964), "Django" (1966), "Il Grande Duello" (1972), "La Citta Delle Donne" (1980), "Il Postino邮差" (1994), "The Love Letter情书" (1999) and "Women on Top" (2000), “Assassination Tango杀手探戈 ”（2002）“The Dust Factory尘土工厂 ” (2003), Bride of the Sea (2004), Marcinelle (2004)

即将推出：The Assumption (2005)

Alan Silvestri，美国，代表作：《回到未来》三部曲 《谁陷害了兔子罗杰》《阿甘正传》《荒岛余生》《木乃伊归来》《凡赫辛》

    综观好莱坞电影配乐家中，我们很难找到如同艾伦·席尔维斯崔一般，在各种种类电影的配乐上均可有杰出表现的作曲家。在二十余年的配乐生涯中，他的电影配乐领域橫跨了喜剧、动作、科幻、爱情与冒险电影。

     从为80年代末期科幻电影迷所熟知的《Back To Future》(回到未来)，到以一位平凡的第三者不凡的人生经历，反映美国六十年代至今社会历史的文艺巨片《Forrest Gump》(阿甘正传)，到近年的两部动作大片《The Mummy Returns》(木乃伊归来)与《Val Helsing》(凡赫辛)等，他的作品中向来有着令人印象深刻的乐曲主题。能认知一部影片中场景核心情感与印象是电影配乐工作者制作配乐的首要目标，而Silverstri优秀的天赋，则在经历多种电影种类配乐的创作里完整呈现。回顾二十余年的作品经历，虽然他并没有如同其他著名作曲家John Willams、James Horner等，有着完整的学院派学习基础，但经验与天赋仍让他作出确切符合电影印象与杰出表现的配乐。

     艾伦·席尔维斯崔出生于1950年，在15岁开始考虑以音乐作为他的职业后，于Boston的Berklee音乐学院就读。然而他在音乐学院的学习时光并不长，在两年后便前往LasVegas跟随一支R&B的乐团，与一个Band担任吉他手与鼓手。他与作曲的首次接触则出现于一次朋友的邀约，请他担任自己专辑中的作曲工作。然而当他抵达洛杉矶时，才发现实际上因故而并沒有真正的作曲工作在进行着，此时年仅20岁的Silverstri遇到的人生的瓶颈。在往后的一段时间內，Silverstri为一位曾为Quincy Jones作曲的抒情歌作者Bradford Craig担任一些小型的作曲工作，而与电影配乐的关系则出于一场错误：一家小公司询问Craig是否可担任新电影的配乐工作，而Craig则转问Silverstri是否想要接手。此時的Silverstri并没有任何的电影配乐经历与作曲基础，仅在会面影片监督的前一晚研读一本名为"How To Score A Film"的著作后，便担任一部小成本电影"The Doverman Gang"的配乐。

     虽然没有完整的学习基础与音乐学术理论的任知，这部电影仍为他带来几次继续其他同类型电影的工作几乎，以及1978年起于一个成功的电视剧中的配乐工作。真正让Silverstri配乐生涯起飞的转折点，则是起于担任罗伯特·赞米基斯(Robert Zemeckis)导演的爱情电影《Romancing the Stone》。从此两人的合作下的电影均得到极大的成功，Silverstri在1985年的科幻惊典《回到未来》中首次得到两项葛莱美奖的提名，并在1988年以《Who Framed Roger Rabbit》（谁陷害了兔子罗杰）一片得到另两个葛莱美奖的提名。

     从90年代起，Silverstri开始在一些大规模成本预算的科幻电影与动作片中，尝试着自己一度认为无法胜任的配乐。并于1989年起于长篇电视恐怖惊愫影集"Tales From Crypt"中担任长期的配乐工作。然而真正让Silverstri达到事业最高峰的，还是在1994年由Robert Zemeckis导演的作品《阿甘正传》。在此片中罗伯特·赞米基斯决定采用许多美国60~70年代的流行歌唱音乐来衬托主角Forrest所见的环境时期与社会背景，但Silverstri几首令人印象深刻的配乐仍以其优雅与动人的旋律得到奥斯卡最佳配乐的提名。

     虽然Silverstri提供了许多经典的电影配乐为乐迷所喜愛，但遗憾之处在于他独特的生活模式限制了作品数量。Alan Silverstri有着好莱坞作曲家中少有的生活哲学：在自己的农场上驾驶拖引机进行农耕、种植葡萄酿自己的酒，以及拥有私人飞机驾驶员执照从飞行中享受自我的生活乐趣。

Rachel Portman，英国

代表作：《艾玛》《浓情巧克力》《苹果酒屋的法则》

     瑞秋·波特曼，1960年12月11日出生于英国。在1997年的奥斯卡上因一部《EMMA》获得最佳配乐奖，也成为了奥斯卡史上的第一位女性获奖配乐人。 Rachel毕业于牛津大学，她的音乐生涯开始之初是在BBC为一些学生电影，电视电影，系列片作配乐工作。 1989年因为电视系列短剧《Oranges Are Not The Only Fruit》配乐，而被英国电影学院评为年度最佳年轻配乐人奖，由此开始在配乐界展露头角。 在1992年完成了她第一部在好来乌的配乐作品《Used People》。也就是从那时起她开始为很多优秀的电影开始作配乐工作，包括"The Joy Luck Club" (1993), "Benny & Joon" (1993), "Only You" (1994), "To Wong Foo, Thanks for Everything, Julie Newmar" (1995), "Emma" (1996), "Addicted to Love" (1997), "Beloved" (1998), "The Cider House Rules" (1999), "Chocolat" (2000) and "The Legend of Bagger Vance" (2000).Rachel Portman在其音乐制作过程中经常和David Snell and J.A.C. Redford合作。她也是Wayne Wang, Norman Jewison 和Beeban Kidron这些名导演首选配乐人。曾在奥斯卡上三度提名，并获得一个金象奖，在金球，英国影视艺术学会，格来美这些重量级评选盛会上也多次提名。最近正为她的首张歌剧配乐"The Little Prince"而积极的做着各项工作。Portman和电影制作人Uberto Pasolini结婚，已经有两个孩子。

    Rachel Portman 一位出色的女性配乐人，以优美细腻的交响乐为主，惯用乐器小号，小提琴。有些作品中还带有欧洲雾蒙蒙的浪漫之感确实带有着一种女性的特点。时而用清脆的钢琴声，简单而柔美的旋律，在你的心中留下了难以挥去的印记，不时在你心中响起。时而是小提琴和管弦乐制作出的跳动，让你你心随其飞翔，愉悦之情油然而起。

获奖情况：

1997 奥斯卡 - 获奖, 最佳音乐及喜剧配乐奖 - Emma

2000 奥斯卡 - 提名，最佳原声音乐奖 - Chocolat

1999 奥斯卡 - 提名, 最佳原声音乐奖 - The Cider House Rules

主要作品：The Joy Luck Club（喜福会）(1993),  Only You （只有你）(1994),Emma（艾玛姑娘要出嫁）(1996), Chocolat（情浓巧克力）(2000), Hart's War （哈特的战争）(2002), The Human Stain（人性的污点） (2003)等

2004年新作：战略迷魂The Manchurian Candidate 2005新作：都是戴茜惹的祸 Because of Winn-Dixie 

 托玛斯·纽曼，好莱坞是半个世纪以来世界电影产业的一大重镇，在这里的电影工作者发展出家族企业并不难想象，光是知名的演员世家就不下二十个，这些演艺家族中，Newman家族不仅历史悠久，而且很特别的，这是一支电影音乐世家，半个世纪以来，Newman家族已有两代成员投身电影音乐的创作，Thomas Newman亦是第二代成员中的一员。

　　托玛斯·纽曼的父亲即是好莱坞电影音乐的传奇人物，九座金像奖的得主阿尔弗雷德·纽曼（Alfred Newman），叔伯Emil和Lionel也都是电影音乐作者，表哥Randy Newman是近年金像奖提名率最高的电影音乐家之一，作品包括了《玩具总动员》，《欢乐谷》，《虫虫危机》等，相信乐迷一定不陌生，至于原来担任杂志编辑的哥哥David Newman，也在近年加入电影音乐的创作，并曾以《真假公主－安娜塔西雅》入围金像奖。Thomas Newman是Alfred Newman最小的儿子，而且出身如此显赫的音乐世家，投身电影音乐的创作想来毫无意外，但事实并不完全是如此。

　　Thomas Newman生于１９５５年１０月２０日，自小接受丰富的音乐熏陶，与完整扎实的音乐教育，小时候Thomas Newman就时常在片场游晃，看着自己的父亲叔伯制作电影音乐，不过子承父业对当时年幼的Thomas Newman来说，是几乎没有考虑过的事，Thomas Newman回忆时说：那时家人和我常去看父亲工作，那真的是很有趣神奇的感觉，不过对我来说，那只是”我父亲的工作”，我并不会真的想投入这样的行业。Thomas Newman十四岁时父亲过世，一两年后，Thomas Newman才开始渐渐对电影音乐发生兴趣，说起来让Thomas Newman走上电影配乐创作的关键人物并不是他著名的父亲Alfred Newman，而是银河帝国的黑暗武士Darth Vader，这要从何说起呢？这得回到Thomas Newman的学生时期，当时他的叔叔Lionel担任福斯电影音乐部门总裁的职唬琓homas Newman常常到福斯片场观摩电影音乐的制作情形，特别是John Williams的一些早期作品如《火烧摩天楼》等，也由于Lionel Newman与John Williams私交甚笃，因此在１９８３年，Thomas Newman得到了第一次为电影写音乐的机会，当时他为《绝地大反攻》中，Darth Vader在路克怀中死去的配乐做管弦编曲，他回忆时说：其实Williams已经为这段戏写了一个十分完整的音乐大纲，几乎不只是大纲了。但不管如何，能为这段音乐作细部编曲的工作，对Thomas Newman来说是一次印象十分深刻的经验。另一位叔叔Emil Newman，在Thomas Newman开始对电影音乐发生兴趣时，也给了Thomas Newman许多鼓励与协助，Emil Newman由电影界退休时，Thomas Newman还只是个高中生，但他教导Thomas Newman一些指挥音乐的概念，同时也鼓励Thomas Newman发展自己的音乐，后来Thomas Newman进入南加大学习音乐并取得耶鲁音乐硕士的学位，毕业之后游走于舞台剧与摇滚乐团，１９８４年，Thomas Newman应一位好友Scott Rubin邀，为《Reckless》一片谱写歌曲,Thomas Newman开始正式走入电影音乐的领域。

　　不论最初Thomas Newman对自己是如何打算的，终究他还是走上电影音乐一途，只是家族的声望对他而言未必是一种助力，反而更容易成为一种压力，但Thomas Newman却勇于走出父亲的阴影，开创自已的音乐风格，虽然有时不免会在不同的作品中，看到一些一再重复使用的音乐手法，但不论是在Newman家族的成员中，或是其它的电影音乐同行间，他的作品始终保持了高度的原创性，结合了电子音乐与传统器乐，极富实验色彩和独创企图。Thomas Newman对”新声音”的开发始终不遗余力，虽然他在管弦音乐的把握上，一直有很好的水准，但实际上他更热衷于电子音乐的实验与运用，也许是身为一代配乐大师之后，对Thomas Newman而言，写传统的管弦电影配乐，不免有难以超越前人成绩的压力，也时常陷于与好莱坞管弦配乐公式对抗的挣扎，因此对Thomas Newman来说，只有在电子音乐这种充满实验性与未知性的领域中，才能真正的做属于自己的音乐，而不是做别人心目中认为应该要做的音乐。

　　一般来说，Thomas Newman的音乐并不像典型的好莱坞电影音乐，具有高度的戏剧性和煽动力，反而呈现内敛沈稳的性灵色彩，看似平淡却另有一番省思沉静的意境，其间也不乏令人意外的轻狂，活力与热情。他清新单纯却又深刻优雅的乐风，在好莱坞戏剧色彩强烈，布局结构华丽的的主流电影音乐中，突显出一股独特的清流气息，关键在于Thomas Newman一直把持着”为电影写配乐”的作曲立场，坚信电影音乐家有时必须克制自已身为一名音乐家的表现欲，扮演好用音乐辅佐电影的角色，而不是设法在电影中反客为主，大出风头，当然，某些情况下，电影音乐确实有可能成为电影中最吸引人的焦点，但一名电影音乐家必须了解，哪些时候可以做那样的事，哪些时候则不该喧宾夺主，反而让音乐成为电影的负担，我们在Thomas Newman的作品中，不难时常感受到这类很”背景音乐”的自制作风，有时过多这类背景音乐式的作品，会让Thomas Newman的原声带变的空洞而欠缺独立性，但这类作品在电影中，往往也能以简洁的刻划，传递出沁人心田的感动，形成一种引人入胜的魅力，简单的说，Thomas Newman是一名可以为成全电影，而牺牲自我表现空间的电影音乐家，他真正的为电影写音乐，而不是为了让唱片大卖而写音乐，不过，其实在ThomasNewman认为适当且合理的情形下，他也能精湛的展现音乐的独立性，旋律性与完整性，如《女人香》，《刺激１９９５》或《新小妇人》等，都有十分出色，而且富有独立欣赏价值的乐章，当中不少音乐片段都成为电影预告片的常用配乐，其它的代表作还包括了《油炸绿西红柿》，《奥斯卡与露辛达》以及近期的《轻声细语》，《第六感生死缘》等，Thomas Newman的作风证明了他不仅是一名出色的”音乐家”，也是一名懂得取舍与自制的”电影音乐家”。

　　Thomas Newman到目前为止，曾在１９９４年以《新小妇人》与《刺激１９９５》同时入围金像奖，并在次年以《Unstrung Heroes》再度入围金像奖喜剧既音乐剧类最佳电影音乐，１９９９年的《美国丽人》更是大受瞩目，此外Thomas Newman也一再受到其它影展与影评人的肯定，配乐的邀约不断，虽然如此，有一位声名显赫的父亲，对于电影配乐的工作，Thomas Newman偶尔还是会感慨：I Never Felt Easy。但从Thomas的成绩与受到的欢迎来看，他已然走出自己的音乐生涯，并且走的有声有色，毕竟对更多新一代的乐迷来说，谈到Newman这个名号，Thomas Newman（或者是Randy Newman）绝对比Alfred Newman更要来的熟悉，这是一种实实在在，来自努力与实力的成就与肯定。（Loyalwise Ye）

Mark Isham，美国，代表作：《摩登时代》《大河之恋》《大地的女儿》

    马克·艾沙姆，1951年9月7日出生在纽约一个音乐世家（其母亲是一个小提琴手，他的父亲教习音乐和历史）他在很小的时候便开始学习古典钢琴，小号，小提琴.由于对爵士乐和古典音乐的喜爱早年间在旧金山歌剧交响乐团担任小号手。在70年代中期他组建了乐团Sons of Champlin并与其喜爱的The Beach Boys,Van Morrison进行了巡演，在70年代后期他录制了首张专辑，在1979年早期他组建了一支前卫爵士乐团，而在1983年开始个人发展。在80至90年代初Isham和他的乐队在一些新生代的配乐人的作品中担任古典小号演奏者，爵士编曲人，器乐演奏者，摇滚嘉宾。近几年Isham开始把他的精力放在电影界，并为导演Robert Redford，Robert Altman等人合作，谱写了 "A River Runs Through It" (1992), "Timecop" (1994), "The Net" (1995), "Kiss the Girls" (1997), "Blade" (1998), Varsity Blues" (1999), "Rules of Engagement" (2000), "Men of Honor" (2000), "Save the Last Dance" (2001), "Don't Say a Word" (2001)，其他佳作还包括："Reversal of Fortune" (1990), "Quiz Show" (1994), "Nell" (1994), "October Sky" (1999) "The Majestic" (2001) 。Isham在1992年获得奥斯卡提名，于1997年因电视系列'EZ Streets'获得一座艾美奖。除了电影配乐外，Isham还出品了多张爵士专辑，值得提及的有："Blue Sun", 与Art Lande合作的"We Begin" , "Vapor Drawings", "Castalia", 与Misha Segal合作的"Zambooka" , 同名专辑 "Mark Isham",向传奇小号大师Miles Davis致敬的"The Silent Way Project".

    Mark Isham是当代著名的爵士乐手和作曲家,早期作品「Blue Sun」被Downbeat杂志评选为史上百大爵士名盘之ㄧ，88年以「摩登时代」(The Moderns)荣获洛杉矶影评人学会年度最佳电影音乐奖，95年以茱蒂佛斯特主演的「大地的女儿」获金球奖提名，99年缅怀传奇大师的爵士专辑「Miles Remembered: The Silent Way Project」入选伦敦时报年度最佳爵士专辑，2003年获邀为化妆品牌Revlon的广告音乐创作，着手混音Cole Porter、Ella Fitzgerald等爵士名曲，伊夏历来影音佳品有:「沉默生机」、「怒海潜将」、「刀锋战士」系列片集、「忘了我是谁」、「留下最后一支舞」、「让爱自由」(Moonlight Mile)、「十月的天空」、「火线冲突」、「网络上身」、「益智游戏」、「我的天才宝贝」、「返家十万里」与电视影集「医门英杰」…等。

    Mark Isham的风格多变，作品涵盖了许多不同的形式，从剧情类电影《Crash》到悬疑类的《Twisted》，动作类的《Rules of Engagement》、《Blade》、《Miracle》，还有IMAX电影《Galapagos》。在为《Eight Below》配乐时，Mark Isham动用了大型交响乐团，以铜管为主的音乐振奋人心。之所以推荐“Oventure”是因为它包含了Isham精心制作的Main Theme，后者贯穿影片配乐始终，使用了多种铜管类乐器，诸如小号、长号等，充满英雄气概的音乐鼓舞人心、催人向上。Mark Isham用这首“Oventure”将我们一下子带到冰天雪地的南极冰封大陆，演绎出一首残酷大自然中的生命之歌。

    2006年的奥斯卡最佳影片《撞车 Crash》的配乐也出自Mark Isham之手。

1992 奥斯卡-提名, 最佳原声音乐奖 - A River Runs Through It

1994 金球奖-提名, 最佳原声音乐奖 - Nell

John barry,英国

代表作：《007》系列 《走出非洲》《与狼共舞》《时光倒流70年》《冬之狮》《狮子与我》《午夜牛郎》

    约翰·巴里是当代最具代表性的大师级电影音乐家之一，曾以《冬之狮》，《狮子与我》，《走出非洲》和《与狼共舞》获得四座最佳原著音乐金像奖，《狮子与我》的”Born Free”并获得金像奖最佳原著歌曲奖。他的早期配乐作品以００７系列最为脍炙人口，鲜明的音乐形象与历久不衰的流传魅力，比美Ennio Morricone的流浪镖客与John Williams的银河战史。近期的作品则转变成细腻唯美的浪漫史诗风格，如《时光倒流70年》，《远离非洲》和《与狼共舞》等，不仅在各项电影音乐奖项上大有斩获，也成为唱片巿场上历久不衰的长青专辑。大致上来说，我们也的确可以将John Barry的作品区分成早期的爵士音乐，与近期的唯美管弦两种典型风格．

　　John Barry原名Jonathan Barry Predergast，１９３３年９月３日生于英国。由于父亲经营多家剧院（也可当作音乐厅），因此自幼John Barry即与许多欧洲知名交响乐团或音乐家有所接触。John Barry的母亲也是一名钢琴家，而且九岁时便安排John Barry学习钢琴，为John Barry打下很好的音乐根基。加上John Barry称得上是戏院的少东，耳濡目染下，很早就迷上电影与电影音乐。他说很小都就想过自己要当一个像Max Steiner或Franz Waxman那样的电影音乐家，只是不知如何去做这样的事．

　　６０年代，John Barry结束军旅生涯返回英国，他组成爵士乐团John Barry Seven，在流行音乐界颇有一席之地．１９６２年，伊恩·弗莱明（Ian Fleming）的谍特小说００７系列首次搬上大银幕。第一部邦德电影《007》的配乐者原来签定了Monty Norman，但John Barry的朋友邀请John Barry为这部配乐补强一下，希望John Barry能帮忙写一个主题音乐。John Barry原来并不打算答应，因为他认为自己的风格和Monty Norman并不符合，但在重金引诱下，John Barry还是答应替Norman的作品做一些修改。不过John Barry坦白表示要他写的话，恐怕就要完全依他的意思改才行，Norman对这种作法表示：虽然这样让我挺没面子，不过你放手做就是！

    于是John Barry花了整个周末改写一首新的主题音乐。原来John Barry以为这个音乐只会被当成片头音乐，直到后来进了戏院才发现整部电影，到处听得到这个主题。而他不但没有被事先告知，甚至也没有挂名作者。John Barry自然得打通电话向制片人抗议一番。不过，制片告诉他，先别这么生气，因为他们已经决定把所有的邦德电影续集都交给John Barry配乐了。直至今日，邦德主题的原作者，究竟算是Monty Norman还是John Barry仍颇有争议，不过由于后来John Barry陆续谱写了１１部邦德电影音乐，因此，邦德电影音乐仍是John Barry最具代表性的招牌名作．

   John Barry最后为邦德电影效力是１９８７年的《黎明生机》，之后陆续由Michael Kamen，Eric Serra与David Arnold等新秀接手。邦德系列不仅让John Barry扬名影坛，建立了谍特斗智电影音乐的基本形象，同时也是John Barry爵士音乐风格的代表作。除了这个系列外，《体热》，《午夜牛郎》以及《棉花俱乐部》等作品，也都展现了John Barry道地的爵士功力，不过近年来John Barry显然较少有这一类的作品了。

   大约自《时光倒流70年》之后，Jahn Barry开始以唯美管弦为主要的作品型态，让人不免为John Barry勾勒出一幅罗曼蒂克的艺术家形象。但实际上Barry的性格却是出名的火爆，这种性格也是基于他对艺术的坚持。比如他毅然退出＜西雅图夜未眠＞和＜惠妮休斯顿之终极保镖＞等卖座影片的配乐，原因都是因为他不认为一个”配乐家”，能在这样塞满歌曲的电影中表现什么。说起来Barry的管弦编曲手法并不丰富，有时几乎是千篇一律，这多少会让人觉得他的管弦作品每一部听起来都很相似。不过由于旋律上的精雕细琢与超凡脱俗的唯美情怀，在这些风格雷同的管弦作品中，John Barry仍旧打造了几部傲视影史的经典名作。也许John Barry正是一名浪漫主义的性情中人，这几部相当杰出的管弦作品，几乎都象征了他生命中的重大历程。John Barry将１９８０年的《时光倒流70年》献给了他在四个月中相继过世的双亲，１９８５年的《走出非洲》则献给因意外而过世的弟弟派屈克，８０年代末期John Barry由于健康因素，导致作品产量锐减甚至停顿（据说是因为误食不合格的“健康食品”导致食道破裂），直到１９９０年才以《与狼共舞》复出，并即刻夺下金像奖，John Barry将这部作品献给三位帮助他度过健康危机的医生。

　　邦德音乐的爵士风情和浪漫管弦这两种典型的乐风，是一般乐迷对John Barry的基本印象。１９９８年John Barry发表非电影音乐的个人专辑”The Beyondness of Things”，也是以这两类的音乐风格为主。不过其实John Barry也写过不少兼具管弦气势与古典史诗美的音乐作品，其中大多是历史剧。１９６８年的《冬之狮》尤其是代表作，也是John Barry本人最喜爱的一部作品。《冬之狮》的故事发生在比音乐记谱更早的时代，John Barry全凭个人的研究和揣摩，塑造出他认为应该存在于那个时代，而且吻合故事情境的音乐，是一部相当精彩的史诗巨构，绝对能让熟悉Barry的乐迷大感惊奇。

　　John Barry最为不愉快的一次配乐经验，大概就是接下Barbra Streisand的《潮浪王子》，他与芭芭拉·史翠珊（Barbra Streisand）始终意见不合，而且他认为Streisand对配乐家的干预太多，他无法和人这般共事，所以最后John Barry还是决定退出这部作品，后来这部配乐由新秀James Newton Howard接手。至于谈到John Barry真正最想做，却没有机会做的电影音乐，John Barry则提出两部电影，一是史丹利·库布力克的《２００１年太空漫游》，坦白说这也是当代许多配乐家渴望能接下的作品，不过最后库布力克选择了古典音乐；另一部则是《天堂电影院》，John Barry说：当然，Ennio Morricone写的音乐很完美，我之所以希望能为这部电影配乐，是因为它的故事内容，俨然就像我的童年生活一般。

　　近年来John Barry的作品数量逐年递减，主要仍是由于健康考量。虽然每年只有一部左右的作品推出，仍旧令不少乐迷引领企首。他的近期作品有《桃色交易》，《终极密码战》，《魔鬼专家》等等。当迈入2001年——Beat Girl问世四十年后，Barry在电影音乐创作上毫无懈怠之相，最近的作品包括Cry The Beloved Rising及Enigma，专辑Moviola和The Beyondness Of Things、Eternal Echoes的成功，使Barry回到伦敦皇家阿尔伯特音乐厅指挥了一系列的音乐会演奏。

Hans zimmer,德国

代表作：《雨人》《为戴茜小姐开车》《黑雨》《绿卡》《末路狂花》《烈火雄心》《狮子王》《赤色风暴》《勇闯夺命岛》《断箭行动》《牧师的妻子》《埃及王子》《和平缔造者》《红色警戒》《尽善尽美》《角斗士》《小马王》《最后的武士》《西班牙女佣》    

    汉斯·季默 能有今天的表现,除了他本身的才华,对“人”的关怀之外,就是他能够不断地多方尝试,勇于改变自己的风格,而一点点累积出自己的成就。

    约翰·威廉姆斯（John Williams）被公认是20世纪好莱坞电影配乐的代名词。许多脍炙人口的巨片，如《第三类接触》（Encounters of the Third Kind）、《大白鲨》（Jaws）、《夺宝奇兵》（Raiders of the Lost Ark）、《星球大战》(Star Wars)等都少不了他的音符佐助，他大气磅礴的曲风随着强势的好莱坞电影席卷全球。年事已高的他已渐渐淡出江湖，而一位来自德国的作曲家却已暗中接过约翰·威廉姆斯的衣钵，成为新的好莱坞大片配乐代言人，他就是汉斯·季默。 

同约翰·威廉姆斯厚重的古典曲风不同，汉斯·季默是以数码电声合成器和电子键盘名震江湖的，当然这不等于说他对管弦乐团就持排斥态度。事实上，汉斯·季默有扎实的古典音乐基础，他的成功恰恰在于古典乐理和现代曲风的完美结合。 

汉斯·季默1957年9月12日生于德国的法兰克福，从小就接受了良好的音乐教育。他的成功之路始发于英国伦敦。最开始他和Trevor Horn和Geoff Downes组了一支叫"The Buggles"的乐队，发行的专辑如《Video Killed the Radio Star》、《The Age of Plastic》都还卖得不错；同时他也是电脑音乐的先行者，80年代初他和乐队Ultravox合作时，在现场舞台表演上的即席演奏十分火爆；另外他还在意大利和先锋乐队"Krisma"合作过一段时间，对各类前卫音乐的涉猎和灵敏的流行文化触觉，使他在进入电影配乐圈后拥有异于同道中人的眼界。在回到伦敦后，汉斯·季默开始跟随电影配乐家Stanely Myers工作，他们组成了一个叫"Lillie Yard Studio"的工作室，并一致认同新兴的电子音乐同古典音乐有机接合的重要性。他的第一部作品是英德合拍，杰西·史柯林摩斯基（Jerzy Skolimowski）导演的《Moonlighting》，在其后的一系列小成本电影中的配乐工作中，汉斯·季默渐渐树立了口碑，并有机会接触主流的热门商业片。 

1986年汉斯·季默独自完成了《Vardo》的工作，并且和戴维·伯恩(David Byran)、坂本龙一、苏聪一起完成了意大利导演贝托鲁齐的金像奖力作《末代皇帝》的配乐工作。这部配乐巧妙地兼顾了东方西方、传统现代音乐的平衡，堪称20世纪的杰出电影配乐。由于不是主创，汉斯·季默并没有署名。不过在多年的磨炼后，汉斯·季默也应该在电影配乐界出头了。 

1988年汉斯·季默为芭芭拉·荷西主演的一部小成本剧情片《A World Apart》配乐，汉斯·季默在这部讲述南非种族矛盾的影片中用人声和电子弦乐巧妙地描绘出与世隔绝的沧桑感，这部作品的成功为他带来了事业的一个转折点--《雨人》（Rain Man）剧组找上门来。 

巴里·李维逊(Barry Levinson)导演的这部影片网罗了达斯汀·霍夫曼和汤姆·克鲁斯两位巨星,配乐却是由圈中仍算小字辈的汉斯·季默来完成。不过眼光老到的李维逊并没有看错，这部影片在当年的奥斯卡上大获全胜，其中就包括一项奥斯卡最佳配乐提名。这也是汉斯·季默的首个奥斯卡提名，当然，只是一个开始。 

《雨人》成功之后，汉斯·季默的工作机会纷至沓来。雷德利·斯科特（Ridley Scott）的《黑雨》（Black Rain）；获奥斯卡最佳影片奖的《为戴茜小姐开车》（Driving Miss Daisy）；金球奖最佳喜剧影片《绿卡》（GreenCard）以及汉斯·季默最为人津津乐道的大批动作片，如《烈火雄心》（Backdraft）、《断箭》（Broken Arrow）、《勇闯夺命岛》（The Rock）以及最近在奥斯卡上败给《卧虎藏龙》的《角斗士》（Gladiator）。 

从1989年起至今，汉斯·季默曾八获奥斯卡最佳配乐提名，并且在1995年凭借迪斯尼动画片《狮子王》（The Lion King）荣获奥斯卡最佳配乐奖。应该说《狮子王》影片的成功，汉斯·季默的配乐居功至伟。而他早期对非洲动物生态影集配乐的经验，和对非洲音乐的钻研功夫也没有白费。其中的节奏打击乐最为人津津乐道，在每段主旋律的行进中，片中的动物都以有力的步伐和节奏相应和，加上丰富多样的场景，确实令人叹服。 

同约翰·威廉姆斯一样，汉斯·季默的音乐也是以激昂大气而出名，不过在营造气势上两位又各有千秋。约翰·威廉姆斯最爱用大规模的管弦乐团合奏来敲震听众耳膜，像《星球大战》里起始篇的那段让人记忆犹新的铜管独奏。汉斯·季默则更喜欢采用层层推进的悬疑片手法，在获奥斯卡最佳配乐提名的《红色警戒》（The Thin Red Line）中，起首由静音到轰然而起的背景音，之间的沉寂有三十多秒。 

为这么多部动作、文艺、科幻、记录、动画、惊怵等不同类型的影片配过乐，汉斯·季默本人最为欣赏的个人作品是描写极限登山的电影《超越巅峰》（K2）。发行的原声专辑中只有两首曲子，时间总长却是四十一分二十秒，几乎就是两首古典交响乐章的长度，这般过瘾难怪汉斯·季默要说这是让他最feel good的一次工作经历。他在曲中充分发挥了电脑作曲的想象力，从攀登雪山的险峻旋律到描绘尼泊尔风情的民族音乐，都包含在这两首乐章中。 

汉斯·季默通常不会驾车，每天都是由他的助手送他到工作室，他习惯的方式是在墙上用工作进度表来提醒自己工作还剩下多久的时间。"看到这些进度表就让我发疯。工作的时候我不断地尝试找出那些能够组成表达意义的音符，直到绞尽脑汁。不过那些美妙的旋律通常是在你头脑空白，无意间跳出来的。"这就是汉斯·季默的电影配乐心得。 

    　　汉斯·季默(Hans Zimmer)1957年9月12日生于德国的法兰克福，早年受过电影配乐大师Ennio Morricone的影响。后移居英国并录制了具有划时代意义的流行经典作品《录像扼杀了广播明星》。他的配乐特点是把握电影故事情节的脉搏，运用电子乐器合成技术，营造一种和电影融为一体的氛围，达到煽情的目的。他恐怕是众多电影导演梦寐以求的电影高级配乐师。特别是近几年来，动作片大行其道的时候，故事情节千篇一律，两个多钟头片长的片子，如果要留住观众，不能再仅仅从视觉画面上满足一般的观众了，更需要从题材内容、从感性、从深层来感悟观众。配乐就是一种很好的方式，他能将电影要表达的主题用听觉的方式在观众的脑海里打上深刻的烙印。

　　通常说起汉斯·季默,一开始都会提到他是使用数位电子合成器的先驱。的确,在他刚开始进入电影配乐这一行时,有过一段时间把数位电子合成音乐,运用在电影配乐上作出实验性质的乐曲,好比《The Fruit Machine》、《Burning Secret》、《Paper House》等早期作品。

　　不过，汉斯·季默对非洲音乐钻研多年，他第一部独立完成的电影配乐作品就是1988年以南非种族问题为题材的《分离的世界》（A World Apart），因电影主题而大量采用非洲部落音乐。

　　汉斯·季默在这部讲述南非种族矛盾的影片中用人声和电子弦乐巧妙地描绘出与世隔绝的沧桑感，这部电影在嘎纳影展上大出风头，获评审团大奖。Hans Zimmer自然也受到瞩目，尤其吸引了一位女士的注意，她就是导演Barry Levinson的夫人。Barry Levinson本人可能并没有看过《分离的世界》，但Levinson太太可把这部电影看了八九遍之多，而且还买了原声带的CD和录音带。Barry Levinson也因此注意到Hans Zimmer的音乐，进而促成Hans Zimmer为Barry Levinson的《雨人》担任配乐 。

　　《雨人》是由演技派巨星达斯汀·霍夫曼和超級帅哥汤姆·克魯斯搭配的完美組合，该片描述了一个手足情深的故事。一心想获得遗产的弟弟在与患有自闭症的兄长的长途旅行中逐渐产生了对兄长的手足之情，由起初的疏远粗暴到最后来的关心理解。影片的剧情并不复杂，但却获得了众多观众的喜爱和欢迎，其原因就在于影片中反映出了一种感人至深的人间真情。

　　在第61届奥斯卡奖的激烈竞争中，《雨人》获得了8项提名，结果不负众望地获得最佳影片、最佳导演、最佳男主角和最佳原作剧本4项大奖，是当年美国影坛的大赢家，而达斯汀·霍夫曼继《毕业生》后，再次凭借其出色的表演，获得了奥斯卡影帝的桂冠。

　　1989年的《为戴茜小姐开车》透过一个白人老妇与黑人司机之间的主仆关系，再现了美国南部25年来种族关系转变的时代特点。在1990年第62届奥斯卡奖角逐中，《为戴茜小姐开车》一举夺得了最佳影片、最佳女主角、最佳改编剧本、最佳化妆4项奖。而汉斯的配乐获得了当年的格莱美奖提名。

    和贝尔斯福特1982年导演的《柔情怜意》一样，本片是一部最为质朴的影片，剧中没有惊人之举，没有轰轰烈烈的转折点，也没有宏大的令人伤感的场面。但正像《柔情怜意》那样，《为戴茜小姐开车》具有非凡的感染力。这是因为影片虽然进行得朴实无华，段落之间的转换也颇为平缓，但在尾声处却给人以意想不到的、十分神奇的一击。它是一本教科书，表明即使采用最司空见惯的夸张手法，浮浅仍可以转为深刻。它还表明，只要有真诚、富有人情味的构思巧妙的剧本，有一班演技娴熟、理解力强的演员，以及有一位细致入微、充满激情，并具有第一流的眼光以充分体现任何细节的导演，情节不足的影片就可以由令人信服的迷人丰满的人物而大大地得到充实。

　　《为戴茜小姐开车》是一个地地道道的"小"故事，虽然这种"小"故事往往会被大银幕所无情地吞没，但其力量最终证明它无时不充满着银幕。它的情节不依赖超级英雄和巨资特技，是一部描述人，以及人与人之间相互作用的平静、质朴的故事，一部呈现人生的短暂而又辉煌时刻的影片。

　　同年的《黑雨》是以美国与日本文化对比为主题的警匪动作片。迈克尔·道格拉斯和安迪·加西亚饰演纽约警探，负责押解日本黑社会头子松田优作回国受审，不料在大坂机场交人时被歹徒调包劫走人犯。两人留下来协助当地警官高仓健追捕松田，在凯特卡普兰开设的夜总会中找到线索，但安迪惨遭日本黑帮惨杀街头殉职。迈可尔忍无可忍，决定跟高仓健携手直捣戒备森严的匪窝。导演雷德利·斯科特以凌厉的映象和激烈的动作场面来包装本片，气氛别致，迥异于一般在美国本土拍摄的警匪片。美日两大巨星也分别演出了两国刑警的不同思考方式和办案文化，使两人的感情进展显得迂回曲折，别有味道。

　　1990年的作品中，《绿卡》是篇表现移民生活的温馨小品。这部片子的导演Peter Weir是位来自澳大利亚的导演，有着鲜明区别于好莱坞的风格。演员方面有法国的大鼻子德帕迪约和美国的安迪·麦克道威尔。而在音乐风格上，《绿卡》一方面展现了《雨人》中的都会气质与现代感，同时也具备了《为戴茜小姐开车》的出色旋律与丰富情感，Hans Zimmer发展了几个主题旋律来架构《绿卡》这部配乐，每一个主题都有鲜明的个别特色，而且在原声带上都有完整的音乐结构，因此是独立欣赏价值很高的电影配乐。

　　相比较而言，这一年季默配乐的影片中《雷鸣的日子》名气更大。这一类型的电影最主要的卖点，就是赛车时那种惊险又刺激的镜头呈现。启用汤姆·克鲁斯是绝对睿智的决定，因为赛车手一定要够酷够帅才行！赛车手在走出失败的阴影之后，重新在女友的鼓励下，决定再次挑战对手，赛车过程惊险万分，最后终于还是赢得了冠军！帅哥反败为胜的人生奇迹，这样的电影吸引了相当多的拥趸。

　　1991年哈里森·福特和安妮特·贝宁合作的《意外的人生》讲述哈里森·福特在一次意外枪击事件中中弹，导玫脑缺氧失去记忆亦丧失语言功能，在接受物理治疗和妻子的协助下，他逐渐复原，而在这段摸索、拚凑的过程中，他重新寻回了值得他人尊重的自我。

　　《烈火雄心》是朗·霍华德执导、荣获奧斯卡最佳音响、音效剪辑、视觉效果三项提名的影片，寇特·罗素、威廉·鲍德温、罗伯特·德尼罗领衔主演，也是汉斯·季默塑造90年代动作片音乐的经典里程碑。

　　“Backdraft”是消防队员的专业术语，是指在大楼中发生火警时，房间里的氧气即将殆尽之际，火势逐渐熄灭，火舌走势降低，房间充满了烟。但是，你若在这样的状況下开启房门，火苗将会因为急速吸收氧气而引发大火气爆。编导藉由一对继承父亲遗志，但意见经常相左的消防队员兄弟解开一连串蓄意纵火案件的过程，表达对救火人员的崇高敬意，火场特效令人叹为观止，影片同時获得MTV电影奖最佳影片、动作场面提名。

　　汉斯擅长将电子音乐的动态音效魅力带进管弦交声乐的世界。在本片中，汉斯·季默将这一创作模式套用于军容壮盛的进行曲曲式，藉以引燃影片所需的澎湃热情与磅礴气势，并同时表达个人对消防队员的礼赞。光听原声带第六轨"Burn It All"中宏伟昂扬的交响乐仿若着了搖滾乐的魔法一般，一路跟着低音爆棚的电子声效较劲，那种山雨欲来、天搖地动的排场气势，外加庞大的合唱声段，以及诡谲的编曲布局，无论是声效或是曲调的表现都见匠心，成就了动作片电影音乐的极至典范。這段乐章日后也成为汉斯谱写《断箭》、《绝地任务》、《赤色风暴》等动作片的基调范本，更是全美电影預告片最爱采用的音乐。

　　1991年季默还有一部经典之作是《Thelma & Louise》。 雷德利·斯科特（Ridley Scott）导演的《末路狂花》（Thelma & Louise）为公路电影开启了新的方向--成功地引介女性主义到这个一向为男性阳刚意识型态所主宰的门类。Thelma和Louise是一对闺中密友，Thelma是一个小女人，平凡的家庭主妇，Louise则是个长相普通(甚至有些丑陋)，有些男子气概的餐厅女侍，两人相偕开车出游。这原本应是一次简单而愉快的旅行，但最后却成为两个女人对抗男性社会压迫的奋斗。

　　《末路狂花》除了捧红了两位女主角外，而且还令观众领略到另外一颗影坛新星的精彩演技，而他便是如今大名鼎鼎的布拉德·皮特。片中，皮特饰演一个先勾引女主角后又抢走她６０００美元的搭车青年，热辣辣的激情戏在他的手中可谓驾轻就熟。而该片的导演便是大名鼎鼎的雷德利·斯科特，从２０世纪８０年代初的科幻巨片《银翼杀手》，到这两年的几部最火爆大片（例如《角斗士》、《黑鹰降落》等）都是出自他手。当年，《末》片的成功让他得以接手另一部史诗巨片的拍摄，那便是描写哥伦布发现新大陆的《１４９２：征服天堂》。而从《末》片之后，斯科特的影坛道路更是一帆风顺。

　　《True Romance 绝命大煞星/浪漫风暴/致命浪漫/真实罗曼史》是昆汀·塔伦蒂诺编剧的作品，讲述在漫画商店打工的克拉伦斯在生日那天去电影院看他所钟爱的动作片，在那里，他认识了美丽性感的应召女郎艾伦娜，两人不可救药地相爱了。克拉伦斯杀死了艾伦娜的老鸨雷克塞尔，并在慌乱中错拿走了一只盛满毒品的皮箱。于是，拿走毒品的克拉伦斯和艾伦娜成为了黑社会追杀的目标。克拉伦斯和艾伦娜从底特律套到了洛杉矶，在那里他们打算把毒品卖给好莱坞的著名制片商李。最后在李的豪宅里，警方、黑社会和李的保镖为毒品展开了激烈的枪战....

　　片中主人公克拉伦斯那种为爱情不惜一切、充分享受青春的生活方式颇受年轻观众赞赏，这也是昆汀早期创作所要表现的一个重要方面。其实克拉伦斯迷恋的电影和音乐以及在小店打工的经历都有着昆汀本人生活的印记，从昆汀这个最早的剧本我们就已经不难看出他卓越的电影才华。本片虽然并非昆汀亲自指导，但资深导演托尼·斯科特抓住了剧本的特质，充分展现了昆汀原作的魅力。克里斯汀·斯莱特 Christian Slater、帕特丽夏·阿奎特 Patricia Arquette、丹尼斯·霍帕 Dennis Hopper、瓦尔·基默 Val Kilmer、布拉德·彼特 Brad Pitt、加里·奥德曼 Gary Oldma，众多大牌明星的加盟和火爆的枪战场面也为这部影片增色不少。

   当太阳从水平线上升起，夜晚转成白昼，非洲苏醒了，万兽群集，荣耀欢呼，共同庆贺小狮子王辛巴的诞生。小狮子王辛巴在众多热情忠心的朋友的陪伴下，不但经历了生命中最光荣的时刻，也遭遇了最艰难的挑战，历经生、死、爱、责任等生命中种种的考验，最后终于登上了森林之王的宝座，也在周而复始生生不息的自然中体验出生命的真义。《狮子王》荣获1994年奥斯卡和金球奖最佳原著音乐和最佳电影歌曲两项大奖，成为迪士尼近年来最成功的动画电影。 专辑中开场的"生命循环"(Circle of Life)这首曲子，汉斯·季默 （Hans Zimmer）的配乐相当壮阔有气势，加上背景中非洲土语的和声，唤醒了苍茫大地上律动的生气蓬勃，呈现出非洲大草原中大自然与动物的生生不息，象徵旺盛的生命循环。整部原声带从一开始的无数动物奔驰在非洲大草原上的那种气势，再配上最后一幕辛巴把刚出生的小狮子举起给众子民看，只有这种诠释，才能感受到蕴藏在非洲草原中的那份生命力与朝气！

　　杰出的摇滚巨星埃尔顿·约翰 （Elton John）、 奥斯卡金象奖作词家蒂姆·赖斯（Tim Rice）加上配乐大师汉斯·季默，这样的超级组合自然能撞出火花，三人的智慧成功地营造出非洲大地自然雄浑的生命气势。继《雨人》(Rain Man)的配乐让汉斯首次尝到奥斯卡提名滋味之后，《狮子王》为他圆了这个美梦。

　　1995年的《红潮风暴Crimson Tide》是汉斯的第三部OSCAR提名作品，也是Hans Zimmer在动作片中的首部配乐突破，还为他夺得一座格莱美奖。该片题材反映在冷战结束以后，美苏由对抗改为一种比较微妙的合作关系，众多美国将士对战争重新反省、渴望和平，一种态度上的审时度势的改变。为配合剧中情节在潜艇的特定环境中发展，配乐中大量使用了电子混音合成技术，十分成功的营造了海底深不可测的效果。潜艇的声纳和无线电加上螺旋桨的转动，仿佛把我们带上了现在世界上威力最大的战争机器－核潜艇！

　　该片配乐比《猎杀赤色十月》更出色，达到了为故事情节发展的目的。电子配乐十分成功的运用在配乐中，外行人还以为以为是真乐器演奏出来的。可以说该片配乐改变了传统美国影评家一贯对电子音乐嗤之以鼻的态度，因为它实在是太出色了。第一次听到《红潮风暴Crimson Tide》的原声音乐，大导演斯皮尔伯格就成了汉斯的忠实FANS，有人说只是由于对老威廉姆斯的友谊和忠诚，他才没有选择汉斯为自己的作品配乐。

　　《勇闯夺命岛/绝地任务/石破天惊Rock, The》是汉斯另一部脍炙人口的作品。《石破天惊The Rock》的电影原声带中有《烈火雄心》的蓄势待发,《红潮风暴》的沉稳、雄浑，《断箭行动》中的紧张追逐及凸显角色性格的固定乐思手法,但绝不是老调重弹,而是另一充满人性的巨作。象是艾德·哈里斯饰演的汉默准将,在片中是位战功彪炳的英雄,为了替殉职属下争取应有的尊容,在无奈的情况下不惜以叛国,恐怖的手段来达成的。因此配乐一开始是悲壮却又激昂的,尽可能的表达出剧中人物内心的沉痛与矛盾。

   《牧师的妻子The Preacher's Wife》为汉斯带来了第四座OSCAR提名。牧师亨利因忙于教务无暇与妻子朱莉亚沟通，二人婚姻出现了危机。上帝派天使达德利来到人间，在亨利汽车发动不了时，达德利帮助了他。亨利又因修教堂的事与妻子吵了起来，达德利假称是教会人员来到他们家，赢得了朱莉亚的好感。经达德利的努力，亨利夫妇的感情逐渐好转，不料达德利却也爱上了朱莉亚……这是丹泽尔·华盛顿 Denzel Washington，惠特尼·休斯敦 Whitney Houston合作的一部影片。

　　1996年汉斯还有一部大作，是和吴宇森合作的《断箭Braken Arrow》。汉斯·季默谱写的电影配乐逐渐摆脱附属在电影之下的形式,朝向独立的音乐作品发展。用他的作品来看,《赤色风暴 Crimson Tide》、《断箭行动Braken Arrow》、《石破天惊The Rock》，每一张电影原声的乐曲,不是分为八首就是五首,但全长都将近一小时。可见他的音乐已如交响诗般有了自己的生命, 不象其他的电影原声带曲目,不是附属在影像之下,就是过于片段而无法制造出配乐本身的价值。因此,看过汉斯·季默谱写配乐的电影,再聆听他的电影原声带,定能在原本的电影故事外有所斩获。象吴宇森就有这样的体会,"看过加上配乐的《断箭》后,如同在欣赏别人拍摄的电影一样"。

　　《尽善尽美As Good As It Gets》是汉斯1997年获OSCAR提名的作品。金像奖大导演詹姆斯·布鲁克（James L. Brooks）1997年作品!杰克·尼克尔森获得第70届奥斯卡金像奖(1997)最佳男主角!海伦·亨特获得第70届奥斯卡金像奖(1997)最佳女主角!马文·尤德尔是个有洁癖的作家，虽然其作品以爱情题材居多，但生活里他对待别人苛刻、爱挑剔，经常让人下不来台。所以说，他的人缘很差。他每天都到同一家餐厅的同一个座位吃同样的早餐，而且为他服务的也总是那位叫卡罗尔的女侍。马文的邻居西蒙是位艺术家，也是位同性恋者，在一次抢劫事件中受了伤。这些本无瓜葛的人却因西蒙的小狗走到了一起，每个人的生活也都发生了不小的变化......

　　"你让我想成为一个更好的男人"是片中最真诚的话，也是最动人的爱情表白。在心灵纯真的同时要面对社会的虚伪丑陋，在享受爱情的同时要承担家庭的重复琐碎，在爱一个人的同时要调整自己接受他（她）的一切。这就是生活，尤德尔在整个故事中不断的调整自己，改变自己，靠真诚和爱，他最终赢得了幸福。

　　值得一提的是，1997年，汉斯·季默获颁音乐创作组织BMI电影音乐终身成就奖，更被史蒂芬·斯匹尔伯格，杰瑞·卡森伯格，大卫·葛芬所创立的梦工场（dream works)重金聘为电影音乐部门的总负责人，监督旗下每一部电影音乐的制作，重现50，60年代电影片场的电影音乐家制度的权威性，就象Dimitri Tiomkin在米高梅、Alfred Newman在20世纪福克斯那样的辉煌。

　　1998年的《埃及王子Prince of Egypt》和《细细的红线The Thin Red Line》为汉斯接连赢得两个OSCAR提名。

　　《埃及王子》，一部彻底将严肃的宗教信仰化身成寓教于乐题材的动画作品，音乐的制作更是近十年动画音乐的绝佳典范。从动画惯用的百老汇音乐剧语法，配合故事题材背景的中东乐音、希伯来民谣，到史诗剧情片才会有的华丽大气魄，透过hans zimmer电子合成器与交响乐一番巧思铺排后，就会融合、互动、串联成一种壮阔格局，抑或是抓住中东音乐悠扬旋律里的思古幽情，挟浓烈情感凝聚成雷霆气势，加上《风中奇缘》词曲创作家stephen schwartz精简切中信仰、意志力的动人歌词，还有米歇尔·菲佛、以色列歌后ofra haza参与原声大碟的演唱，更听见中东音乐与百老汇音乐联姻而成的戏剧情感张力。zimmer除了将世界音乐与管弦交响乐互通情感声息外，兼具灵魂福音与世界音乐的合声也烘托出人声与弦乐相互带动的丰沛情感；信念就在多层次的情感攀升中，燃烧出撼动人心的力量。

　　这部电影的配乐由汉斯·季默统筹，在表现上相当出色，富有古文明色彩，又兼具史诗气魄的力道，虽然配乐手法上不脱他一些动作电影的音乐风格，但在中东民族音乐的运用上，就真的比艾伦·曼肯的《阿拉丁》强太多了。

　　而在《细细的红线》（The Thin Red Line）中，Hans Zimmer回避了通常战争片惯用的千军万马的气势，刻意将曲式步调放慢，宛如弓箭上弦般的咄咄逼人的戏剧张力。并采集部分故事发生地－澳洲东北美拉尼亚的民族吟唱，令该片蕴藏着一股浓郁的当地气氛。

　　2000年的《角斗士》为汉斯带来了又一个OSCAR提名、格莱美提名、和一座金球奖，《角斗士》也是史上最畅销的电影原声大碟之一。

　　这张朦胧着古典悲情的原声专辑充满了中欧以及小亚细亚的音乐气质。富于浓厚宗教色彩的音乐氛围，结合交响乐烘托曲折情节，产生了独到效果，将思乡情、亲情、忠义情、复仇情与对生命所背负责任的超脱感都糅合在弦乐与民族管乐的尽情挥洒之间。

　　用汉斯的话来说，"它的配乐是德国式的，结构严谨、布局紧密。这样，就需要以一种女性的柔和作适当调节。"Decca唱片公司推出了由此张音乐唱片中最后一曲--被称为温和音乐女神的莉萨·杰拉德(Lisa Gerrard)演唱的《现在我们自由了》(Now We Are Free)，在美国各地的电台热播，这也是汉斯的提名曲目。莉萨·格拉德不愧为一个天才歌者，她的声线醇美而煽情，悲喜恰如其分，在影片结尾庞大的竞技场与仙境一般的罗马城景致背后，莉萨的"自由之歌"如挽歌一样哀怨忧伤。

　　2001年的《珍珠港Pearl Harbor》获得了年度金球奖配乐提名。影片以古典浪漫气质乐音为核心,从柔情似水的钢琴音调里缓缓的带出悲壮悠扬的古典弦乐。季默多年的外向影音传动力,成功的向内凝聚成一波波直击心灵的伤感,"Tennessee"、"Brothers"展现季默回归古典音乐的浪漫情怀,而在写意感性之余,也在一些乐段燃烧着战火炼狱里慨然悲壮的胸襟。

　　2002年的《小马王Spirit: Stallion of the Cimarron》是汉斯获年度金球奖提名的作品，影片讲述的是一匹野性不羁的野种小公马，在无拘无束地穿越美国边境地区时的冒险经历。第一次遇见人的小马斯比瑞特(Spirit)，即使与年轻、勇敢的土著人(Lakota)利特尔-克里克(Little Creek)成了好朋友时，也不愿被征服。这匹无畏、年轻的小马在成为旧时西部最杰出、未被赞颂过的英雄之一的过程中，还与一匹漂亮的母马雷恩(Rain)坠入了爱河。

　　奥斯卡获奖演员马特·戴蒙在片中以第一人称的口吻叙述了人物故事。而汉斯除配乐外，与布莱恩·亚当斯合作写了四首歌，获提名的就是这首《HERE I AM》。

　　影片《末代武士》描述汤姆·克鲁斯所饰演的美国军官纳森·艾格林1870年间接受日本明治天皇的邀请，前往日本训练该国军队、传授当代战争艺术真谛，明治天皇想藉此根绝传统武士階级。训练的过程中，艾格林深受日本武士的影响，发现自己挣扎于日本封建势力与维新政府新旧交接的时代风暴中，指引他的只有荣耀感。

　　《末代武士》是汉斯季默生平的第100部電影音乐作品，在为《末代武士》創作音乐時，汉斯把日本艺术美学概念灌注于西方旋律之中，让美式的罗曼蒂克音乐语法与日式音乐的拘僅、寂静两相对立，并善用日本太鼓和其他不同乐器敲击形式造成的不同层次的心理冲击，同时也搭配日本长笛、日式十三弦古筝等乐器与印地安民族合声的运用，以便烘托美国军官艾格林面对日本人文环境的复杂心情。整张电影音乐他作弥漫在雄浑、神圣、靜谧、萧瑟、悲美的电子/弦乐情感空间裡，汉斯更以冥想音乐元素来弥漫乐方哲学禅理，擅长经营影音排场的汉斯这回把整个焦点投注于主角人物的情绪上，把乐方世界里壮士断腕的精神灌注于西方的悲壮豪情乐章之中，堆砌出一波波的心理波涛，释放出生平最浓烈的情感音与能量。有人称之为汉斯最好的作品，这也为他赢得了又一座金球奖配乐提名。

　　《鲨鱼黑帮》是梦工厂的动画作品，相信大家也不陌生了。影片把人类世界整个搬到了海底，用海洋生物来扮演人类的角色，海底俨然成了一个美国大城市的翻版。故事的主角是一条名叫奥斯卡的小鱼--一位平凡的打工仔。一个偶然的机会，它和鲨鱼黑帮的继承人莱尼成了朋友。两条鱼策划了一场"阴谋"，奥斯卡假装杀死了莱尼，帮助这条天生厌恶争斗、厌恶鲜血的鲨鱼过上隐居生活，而奥斯卡则成为"杀死"鲨鱼的英雄。整个故事充满了大孩子似的玩笑，反传统，讽刺现实。它的制作者似乎是一群虽然已经长大，但还满肚子馊主意的坏小子，他们不喜欢成人的世界，于是躲在自己的幻想里，用他们创造出来的另一个世界来表达自己的态度。

　　影片的原声碟收录了Eminem(阿姆)、Justin Timberlake（贾斯汀）、Christina Aguilera(克裏斯蒂娜)、Missy Elliott（蜜西·艾莉特）、Mary J.Blige（玛丽·布莱姬）、Ludacris（路達克裏斯）這些獨當一面的超級明星的歌曲，超级电影的超級原声把这些美国流行音乐呼风唤雨的顶级大腕聚集在一起。当然，原声碟中还有汉斯的配乐。

　　《西班牙女佣》为汉斯赢得了2004年度的金球奖配乐提名。"Spanglish"一词原意是指西班牙文式英语，就有点像"Chinglish"指的是中国式英语一样，都是混有自己母语特色的不纯正的英语，《西班牙女佣》一片整部片子都充斥着这种美国人听不懂、中国人听着别扭的"Spanglish"，不过影片的众多喜剧效果也恰恰就是由这种特殊语言形式造成的。导演詹姆斯·L·布鲁克斯1940年生于美国新泽西，他的原职是一名电影制作人兼编剧。1983年初导演处女作《母女情深》(Terms of Endearment)获得第五十六届奥斯卡金像奖最佳导演及最佳改编剧本奖(同时该片也获得了当年金球奖最佳编剧)，由此奠定了其在电影界特别是编导领域的地位。

　　随后布鲁克斯又自编自导了较知名的《广播新闻》(Broadcast News)和《尽善尽美》(As Good as It Gets)，这两部片子虽未最终夺得奥斯卡，但是最佳编剧的再二再三次提名无疑是对布鲁克斯才华的肯定和有力证明。这次的《西班牙女佣》走的是布鲁克斯钟爱的浪漫喜剧路线，但是就剧情来看，矛盾冲突集中在交流沟通等没什么新意的问题上，亚当·桑德勒更是搞笑得有些过了。

　　本片音乐以热情洋溢的西班牙風情音乐为主轴、细腻弦乐奔驰其中，有人称之为汉斯·季默近年来最浪漫最溫柔之电影音乐作品。

　　《马达加斯加》是梦工厂动画继"史瑞克"、"鲨鱼黑帮"后，2005年夏季强档巨献的动画片。万物之王狮子Alex是纽约中央公园动物园里最受欢迎的焦点，他和好友-斑马Marty、长颈鹿Melman、河马Gloria一直过着天堂般的快乐生活。在好奇心的驱使以及企鹅的帮忙下，Marty决定探索动物园外的世界，就在午夜时分，Alex、Melman与Gloria发现Marty不见了，大伙决定离开动物园去把Marty找回来，他们一路追到纽约的中央车站，但是，就在他们准备搭车返回动物园的途中，他们却被一群认为他们应该远离纽约生活压力的善心人士抓个正着，准备要用船把他们载到非洲去。可是，企鹅却在船上执行破坏计划，最后弄得大伙通通被冲到马达加斯加岛上去了，现在，这群来自纽约的动物得开始学习如何在野外求生，实际体会丛林世界的真面目。

　　《蝙蝠侠V：开战时刻》是汉斯已经公映的作品中最新的一部，蝙蝠侠的黑暗魅力自不必说，最引人注目的绝对是其超豪华的阵容，虽然四部前作都有不少巨星压阵，但这次的星光璀璨度绝对创了该系列之最。除了主演克里斯蒂安·贝尔外，今年加冕奥斯卡最佳男配角的演技派高手摩根·弗里曼，老牌影帝迈克尔·凯恩，以"辛德勒"一角闻名于世的连恩·尼森，"千面人"加里·奥德曼，日本实力演员渡边谦都将在该片中屈尊为绿叶。剧中唯一的女性角色则由最近引起无限话题的汤姆·克鲁斯现任女友凯蒂·赫尔姆斯担纲。

　　除此之外，《记忆碎片》导演克里斯托弗·诺兰的加入是影片最让人惊喜的部分，这个风格奇特、个性十足的导演与本属黑暗的蝙蝠侠一拍即合。有人称这是本系列影片中水准排名第二的作品。

　　第60届奥斯卡发奖仪式上，史诗巨片《宾虚》的全体主创人员曾频频起立，先后11次登台领奖。1998年3月下旬的第70届奥斯卡颁奖现场，《泰坦尼克号》的主题音乐先后11次响起，作曲家霍纳捧走最佳剧情片原作音乐奖金像奖之后再次上台，接过了本届奥斯卡最佳原创歌曲金像。音乐界评价他的奖项源于自我剽窃主义，但不管怎样，他所创作的情感主题音乐以其优雅的旋律、强烈的情节暗示都受到了公众及电影公司的认可。

Vangelis ，希腊代表作：《火之战车》《银翼杀手》《南极物语》《1492》

    范吉利斯，享誉世界三十余年的著名希腊音乐大师，开启了近代新世纪音乐的先河，被誉为“电了乐界的柴可夫斯基”。他的音乐超越文化藩篱，融会欧洲人文思维与东文哲理禅意，充满盎然的艺术生命力，先后获得奥斯卡奖，金球奖，金狮奖的肯定。1992年和2002年法国授予他艺术骑士奖和荣誉骑士奖。

     这位被称为「电子乐界的柴可夫斯基」的音乐巨人，不仅曾经创作出具有划时代意义的电影配乐「烈火战车」，半个世纪以来三十几张畅销的音乐专辑，更开启近代电子音乐的新视野，引领未来音乐的新发展。范吉利斯的成就，不仅反应在全球的唱片销售数字以及无数的得奖纪录，1995年国际天文联盟更是决定将新发现的「6354号星云」正式定名为「Vangelis」，藉以向这位音乐大师致敬。由于范吉利斯的辉煌音乐成就，2002年韩日世界杯足球赛主题音乐、2004年的雅典奥运会主题音乐亦都邀请范吉利斯创作。

     在很多介绍有关音乐的文章中，都喜欢将音乐人的风格定位，但是这种做法有时偏偏叫乐迷不太认同。其中一个典型的例子就是来自希腊的Vangelis，有人将他归类为New Age,但大多数乐迷都认为这是不尽详实的，因为Vangelis音乐带给我们的感觉，就是一个无际的音乐国度，这也是一位有着出色意念的音乐人的特质。 

     Vangelis 原名 Evangelos Odyssey Papathanassion，1943年3月29日出生于希腊。六十年代初，他在希腊自组乐队，成为当地的一支流行组合。到了1968年，他移居法国，与另外两位音乐人Demis Roussos和Loukas Sideras共同组合成了前卫乐队。到了七十年代，Vangelis与Yes的歌手Jon Anderson组成了Jon And Vangelis，带出一份清新而前卫的音乐感觉，当时人们已经很难对Vangelis的音乐进行定位了。

    到了1982年，Vangelis为电影Chariots Of Fire配乐，结果赢得了奥斯卡——“最佳电影音乐”奖。如果你是通过Chariots Of Fire而认识Vangels，这绝对是不够的，因为在1992年，他为Ridley Scott执导的影片《1492》中的Conquest Of Paradise配乐，从而使电影的音乐概念完全体现出来，成为不少音乐学院的教材。碟中主题曲Conquest Of Paradise,那种史诗般的气派，完完全全是慑人的感觉，精彩绝伦。

     VANGELIS的作品，一向是非常充实的宏伟，热闹中带有的拥挤，那是VANGLIS的博大的艺术灵感和创作，把大型乐队的感受和风格演绎到他的音乐中，赋予了新世纪电子音乐一个全新的振奋的性格，没有颓废，没有萎靡。本辑《VANGELIS ODYSSEY》更是范吉利斯音乐作品中达到登峰造极的空前境界。

 尼诺·罗塔（Nino  Rota），意大利，代表作：《教父》三部曲，《罗密欧与朱丽叶》《战争与和平》《八又二分之一》

     尼诺·罗塔（Nino Rota） (1911 - 1979)，意大利音乐教父，生于1911年，来生仅电影配乐就写过145部，还不包括其它歌剧，管弦乐作品。他毕业于米兰音乐学院，与意大利名导费里尼合作长达三年，创出无数影音经典。而他在条件远不如好莱坞的情况下，以意大利民谣和过人天份为武器，再加上本土强悍和不屈服的民风，写出了无数脍炙人口的作品。而其中最为耀眼的则就是《教父》（GODFATHER），以典型的西西里旋律写出的乐章富含动人的深情。

     《教父》第一集的配乐是整个“教父三部曲”的音乐基础，它由“意大利音乐教父”尼诺．罗塔（Nino Rota）完成。这是一张具有浓郁古典风格的电影配乐，其中的多首曲目弥漫着意大利的西西里风情，而且各种舞曲风格的交融给这张唱片增添不少亮点。尼诺．罗塔以他对意大利民谣的精深理解和过人的音乐天份为武器，写出了这部十分耀眼的《教父》，当年在提名奥斯卡最佳配乐奖时曾遭人检举，说其主题音乐早在他的意大利电影作品中使用过，因而被取消了提名资格。两年后，尼诺．罗塔以同样的主题音乐为《教父续集》谱曲，奥斯卡奖却乖乖的颁了给他，可见本片的气势凌人。在《教父》电影原声带中，“爱的主题曲”早已是一首风靡全球的情调音乐；“迈可主题曲”更以激昂的管弦乐点出了教父次子的悲剧人生；“教父华尔兹”配合父女相拥而舞的场面则最为精彩迷人。 

    这个意大利人可以用一个词来描述：教父。这不仅仅是因为他为《教父》谱写了令人动容的音乐，更是他在电影配乐界尊崇地位的真实评价。早在进军好莱坞之前，他在意大利电影界的地位就非同一般（11岁就写了第一部宗教剧配乐），后来担任了19部费里尼电影的配乐，被后者称为“就像是上帝派来帮我完成电影的人”。1968年，由他创作的《罗密欧与朱丽叶》电影配乐原声带发行，创下了300万美元以上的利润，使得电影原声带成为唱片市场上一种很赚钱的重要品种。

埃尼奥·莫里康内（ENNIO MORRICONE），意大利，代表作：《西部往事》《教会》《美国往事》《铁面无私》《天堂电影院》  《海上钢琴师》

埃尼奥·莫里康内,1928年出生于罗马，迄今参与制作的各国电影已不下400部，是意大利最多产、最有建树的作曲家，在世界电影界可谓有口皆碑。 

　　幼年时代的埃尼奥是一个莫扎特式的神童，6岁就开始了作曲。12岁，父母把他送入罗马的圣切契里亚(Accademia di Santa Cceilia)音乐学院，让他在作曲系进行了为期4年的正规学习。不到两年的时间里，他突飞猛进地学完了4年的课程，甚至当时还有报道说这个神童6个月内就掌握了所有知识!不管报纸怎么说，在以极其优异的成绩毕业以前，他还有足够的时间和精力去学他所喜爱的另一门专业——小号。在60年代初投身电影界之前，莫里康内一直致力于管弦乐和室内乐创作。在古典方面所受的正统训练和原来的专业取向，对他日后独具一格的电影音乐创作风格也产生了很大影响。1961年的配乐处女作《法西斯分子》(The Fascist/Ⅱ Federale)，使他立刻向世人证明了自己是个天生的电影音乐作曲家。 

　　对于每一部电影作品来说，凡由莫里康内作曲，其中音乐氛围必然得到不同程度的强化。这一点，甚至是从未意识到电影中音乐元素的存在的普通观众也能感受到的。显然，这由莫里康内作品中的特质所造成。作为一个世界电影音乐的研究者，笔者之所以对这位大师如此尊崇，首先就在于这些特质的非同凡响：他的旋律由于乐思宽广、质朴流畅、极富歌唱性而具有在一瞬间渗透人心灵的强大感染力；他的配器由于构思独特、选材广泛、不落窠臼而使观众闻而不忘，回味无穷；他的配乐手法由于体裁多样、富于独创性而使电影音乐的语汇获得极大丰富，从而使听众(包括专业人士)的电影音乐思维大大拓宽。这些特点，在他60至80年代的作品中表现得尤为突出。 

　　确切地说，莫里康内与意大利导演赛尔乔·莱昂内(Sergio Leone/1921～1989)自1964年至1984年合作的20年，是两人艺术生涯中的黄金时代。两位奇才怪杰在世界电影史上共同写下了熠熠发光的一页。1964年，莱昂内拍摄了他的第一个三部曲——“赏金三部曲”中的第一部：《一把金币》(A Fistful of Dollars)，1966又拍摄了三部曲的第二部：《为了多几块金币》(For A Few Dollars More)。电影音乐史上首次出现的粗砺、潇洒的小号主题和空寂、辽远、漫不经心的口哨独奏，令人耳目一新，给各国观众留下了深刻的印象。 

　　在莱昂内于1966年拍摄的这一系列的第三部作品——《好坏丑》(The Good, The Bad and The Ugly)中，他确立了前两部影片中已初见端倪的“意大利面条”(Spaghetti)风格。影片中的无名枪手代表“好”的一方，其对立面——一个心狠手辣的北方军军官代表“坏”的一方。类似西部片中好人战胜恶棍的公式化结构，经过莱昂内的“意大利化”，出现了第三条线索——一个中间型人物。这是个不好也不太坏的、带有喜剧色彩的“丑”的形象。丑的一方所代表的第三势力的存在，打破了原来的正义必然战胜邪恶，有时也就是英雄必然会救出美女的相对直白简单的程式。在角色由于多员化而使戏剧性得到丰富的同时，影片的可视性、观赏性也大大提高。这次，一向富于求新和实验精神的作曲家又为影片配乐注入了勃勃生机和丰富的内涵。电影音乐史上又首次出现了甩鞭声、由男声合唱出的戏谑音效，以及加弱音器小号怪诞、调侃的音色。 

　　在6年后的《革命往事》(Once Upon A Time——The Revolution/1972 )中，莱昂内作品里洒脱、戏谑的意味仍有保留，同时一种强烈的怀旧情绪也留存下来。女高音的无言哼呜贯穿在了“往事三部曲”中，成为第二个系列最为显著的风格特征。在1984年的《美国往事》(Once Upon A Time In America)中，动人心魄的排萧独奏、“地下酒馆”里的拉格泰姆(Ragtime)风格乐段和弦乐重奏出的岱博拉主题等无不令人重又耳目一新，叹为“闻”止。当男主角面条(Noodles)凝立在车站的蒸汽和烟雾中，失魂落魄地目送女友岱博拉离去时，女高音歌唱家艾达(Edda Dell’Orso)那令人神往和心醉的音色再次悠然飘现…… 

　　莱昂内于1968年拍摄的《西部往事》(Once Upon a Time in the West)中，“好坏丑结构”保留了下来。色厉内荏的大胡子夏延的主题，由幽默调侃的班卓琴演奏。世界观众很难忘记那凄厉哽咽、刺人心肺的口琴声，更难忘那牵动着人类共有的怀旧情结，仿佛飘过了无限时空的女高音无言哼唱。在使得莱昂内——莫里康内的代表作《西部往事》成为不朽名作的诸多因素中，音乐所起的作用再大不过了。“往事主题”具有的穿透力和强大感染力，为一般影片配乐不能相提并论。那辽阔宽广、舒缓动人、含义深刻的旋律是无法用语言来形容的。“住事主题”是莫里康内的代表作，又是世界电影音乐的颠峰之作。在用各种文字书写的有关这位作曲家的介绍或评论文章中，它是人们必然要涉及的一段音乐，同时又是上至影评家、下到普通观众以及无数音乐爱好者永远怀着赞叹和敬畏之情去聆听、去谈论的一段音乐。其迷人的音色、流畅的旋律和隽永的风格，对世界各国的许多影片产生了影响。 

　　每当我聆听莫里康内作品时，脑海中经常闪现出一组似乎毫不相干的画面：一座高耸入云的山峰，许多人都在奋力向上攀登。有人离那烟雾缭绕 

莫里斯·贾尔（Maurice Jarre），法国人，代表作:《阿拉伯的劳伦斯》《日瓦戈医生》《印度之旅》(1984),《人鬼情未了》《云中漫步》,《春风化雨》(1989),《迷雾森林十八年》(1988),《致命诱惑》(1987),《证人》(1985)  

 在著名的电影音乐家中，出身音乐家庭或者自幼学习音乐的例子不胜枚举，John Barry自幼学习钢琴，Ennio Morricone从小和父亲一起学习小号，John Williams的父亲是爵士鼓手，自己也是名出色的钢琴家，还有大名鼎鼎的Newman家族等等，不过，当中也有像莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）这样的例外。身为电影音乐史上最具代表性的音乐家之一， 然而在十六岁之前，莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）却对音乐一无所知。

　　莫里斯·贾尔（Maurice Jarre），１９２４年９月１３日生于法国里昂的俄裔家庭，父亲是法国广播公司地方电台的技术工程师，在十六岁之前，他没有接受过任何正统音乐训练，他自称：那时我连A大调和C大调的差别都区分不出来。但这显然无损他对音乐的感受力和热情，十六岁那年父亲带回一些老旧的唱片，这些音乐深深的打动了Jarre，他提到：我记得那是李斯特的匈牙利狂想曲，那一刻我就立志要成为一名指挥家。不过，对乐器的学习来说，Jarre的起步还是太晚了些，尽管Jarre很希望能学习钢琴，然而他的年纪和手指的发育都不合适此类乐器的学习。在指挥家好友Charles Munch的支持下，Jarre并没有就此放弃，Munch认为Jarre虽然不适合学习一般的演奏乐器，但他鼓励Jarre加入交响乐团的打击部门，他告诉Jarre：你有很好的节奏感，更重要的，你有一颗音乐的心。同时Munch也认为加入交响乐团有助于Jarre对音乐的了解。Jarre之后进入巴黎音乐学府Paris Conservatoire学习打击乐，并在Jacquesdela Presle，Louis Aubert和Arthur Honegger门下学习作曲，同时他也在交响乐团中担任鼓手，Jarre开始相信他的朋友是对的，他说：作为一名鼓手对我来说是很理想的，这让我有很充分的时间观察整个乐团中每一种乐器的表现。

　　除了学习作曲理论和打击乐器之外，Jarre在求学时期还研习了两项对他日后的配乐生涯有极大帮助的音乐素材，那就是民族音乐和电子合成乐。民族音乐实际上是Paris Conservatoire的规定课程，每一名学生都必须选修五个不同区域的民族音乐课程，Jarre当年的选择是俄罗斯，日本，南美，印度和阿拉伯，而电子合成乐则是Jarre的课余兴趣，电子乐器在当代并不普及，同时有浓厚的实验色彩，但Jarre对这样的音乐素材产生了独特的直觉与感受，进一步也加入Musique Concrete Form.学 习电子合成器的运用。

　　毕业之后，Jarre于１９５１年加入舞台戏剧团体Theatre National Populaire，担任音乐指导的工作，开始为戏剧作品谱写音乐，第一部电影音乐作品则是1952年，法国导演Georges Franju的反战纪录片《Hotel Des Invalides》，之后Jarre与Franju陆续合作了多部作品，也日渐成为法国电影音乐的新秀，同时Jarre也致力于其它非电影音乐的创作，包括了芭蕾，交响曲与舞台剧等各种作品，而1962年，为英国名导大卫·里恩的《阿拉伯的劳伦斯》一片配乐，不仅将Jarre的舞台由法国扩展到了好莱坞，同时也成为Jarre音乐生涯的转折点。

　　大卫·里恩不仅是Jarre的益友，也是Jarre的良师，两人相遇之时，大卫·里恩已是权威大导 ，但Jarre方才初出茅庐，当时Jarre因为《Sundays and Cybele》一片的配乐，引起了制片人Sam Spiegel的注意，而应邀加入《阿拉伯的劳伦斯》一片的音乐制作，除了Jarre之外，受邀配乐的音乐家尚有Benjamin Britten和Aram Khachaturian两名配乐好手，这对当时名不见经传的Jarre来说，是十分兴奋的事，但工作的进行并不顺利，直到电影首映前四个月，Jarre不但没有看到任何电影片段，同时另外两名配乐家也陆续因档期问题退出，直到首映前二个月，情况并没有太大的改善，而且电影公司也一直找不到让大卫·里恩满意的替代人选， 首映迫在眉睫， 而《阿拉伯的劳伦斯》的配乐完全没有动工，Jarre也只写了主题和少数的音乐大纲，但是当大卫·里恩一听到Jarre的作品，立刻一把逮住他说：就是你，不用有别人了，小伙子，你来替我的电影完成配乐！Jarre不眠不休的在四个星期之内完成全片的作曲与录制的工作，而这部作品，不仅开启了他与大卫·里恩脍炙人口的合作生涯，同时也为他赢得了第一座奥斯卡金像奖。１９６５年，大卫·里恩执导史诗钜作《日瓦哥医生》，再次找上Jarre，当时分工精细的米高梅片厂告诉大卫·里恩：“Jarre或许对阿拉伯和沙漠很在行，不过对于冰天雪地的俄罗斯，我们有更出色的人选”，当代的好莱坞片厂分工极细，音乐部门不但有专属的配乐交响乐团，旗下网罗了各具不同专长与特色的作曲家，甚至还有专门谱写审核主题曲的部门。但大卫·里恩很干脆的回答：”不论你们怎么想，我只要上回那个年轻人，要他立刻到西班牙与我会合”，在大卫·里恩的要求和指导下，Jarre以《日瓦哥医生》二度拿下金像奖，主题曲“Lara's Theme”在当时创下单曲的卖座纪录，也成为电影音乐史上最具经典色彩的作品之一。之后大卫·里恩与Jarre还陆续合作了《雷恩的女儿》与《印度之旅》，其中《印度之旅》为Jarre带来第三座金像奖。对于莫里斯·贾尔而言，大卫·里恩不仅是最好的工作伙伴，同时也是严格的督导者，大卫·里恩会在剧本上指示哪里须要音乐，须要什么样的音乐，而且要求十分严厉固执，也总是鼓励Jarre发挥民族音乐和电子音乐的专长， 和其它导演／配乐家的组合比起来，大卫·里恩和Jarre除了伙伴之外，又多了一分师生的关系。

　　Maurice Jarre对民族音乐的运用， 一方面来自学校时期打下的基础，一方面也来自大卫·里恩的指导和鼓励，使Jarre成为在电影音乐中最早使用民族音乐，同时也是表现最出色的代表性音乐家。从《阿拉伯的劳伦斯》的荒漠炎日，《日瓦哥医生》的冰雪严冬，《危险年代》的神秘东方，《春风化雨》保守典雅的英伦气质，到充满了南美灿烂阳光的《漫步在云端》，在莫里斯·贾尔的音乐中仿佛可以神游四海。同时莫里斯·贾尔（Maurice Jarre）也是在电影音乐中使用电子合成器的先驱者之一，早在１９６５年的《日瓦哥医生》中，Jarre就尝试在音乐中融入电子合成乐，当时电子合成器并不普遍，体积大到须要一台卡车来运送，而且只有很少的功能，最初电影制作人都不信任这类“复杂的高科技音乐”，但Jarre却对这种新的音乐素材极感兴趣，只是Jarre始料未及的是，随着科技的进步，电子音乐发展的十分迅速，也变得十分“便宜简单”，电子音乐反而在７０年代成为制片人为了节省制片经费，而用来取代传统管弦配乐的利器，尽管Jarre不同意为了“省钱”而用电子乐器制造简单的配乐，但他仍致力于电子音乐的研究，试图开拓电子音乐的新风貌，在８０年代之后，Maurice Jarre陆续发表了数部以电子合成器为主的配乐作品，其中较重要的是与导演彼得·威尔合作的《证人》、《蚊子海岸》、《危险年代》和《春风化雨》等。一般来说，Jarre的电子配乐气质十分沉静冥思，音色也偏向深幽空灵，与他的管弦作品有很大的差异，这样的特质，主要是基于Jarre不希望电子音乐在电影中“喧宾夺主”，其中《证人》、《春风化雨》与《迷雾森林十八年》，不仅是早期电子配乐的先驱之作，也获得多项音乐奖的肯定。

　　莫里斯·贾尔一直被认为是最有金像奖缘的音乐家之一，然而第一次以《阿拉伯的劳伦斯》入围金像奖时，他甚至不晓得金像奖是什么，当在法国广播上听到了提名的消息，他很兴奋的打电话给电影制片Sam Spiegel，希望制片大人能提供他参加颁奖典礼的机票，结果制片告诉他：“不！不！你不用大老远来了，这种奖总是只给美国人的，你其实没什么机会的”，结果，Jarre得奖了，只是迟迟等了五个月还收不到奖座，直到五个月后，他在Sam Spiegel的办公室里发现了他的奖座，才知道原来是Sam Spiegel“不小心”忘了要把奖座给他，总之，Jarre还是高高兴兴的要把奖座带回法国去，不料通关时却又给拦了下来，警卫问：“这是什么？”Jarre骄傲的回答：“这是我的金像奖”结果警卫说：“金像奖？那么这是金的啰？你私自带这么大一块金子出关是要坐牢的！”Jarre很是委屈的说：“不会吧？这只是个奖座而己，何况它不会真的是金的吧？”警卫一面说：“那可说不定， 这玩意儿真的挺重的！”一面又拿出小刀来刮了两道！“喔！”警卫很满意的说：“看来你没事了，这东西只是镀金的而已！”这就是Maurice Jarre拿到第一座金像奖的故事，听来有些悲惨，但Jarre在金像奖的遭遇也有温馨的一面，第二次入围金像奖时，Jarre终于出席盛会，不过周围却没有半个熟人，看来有些孤单，这时前座一个人突然回过身来，笑着对他说：“你是Maurice Jarre吧！我告诉你，我觉得这次你会得奖喔！这是我孙女说的，她说：爷爷，我很喜欢你的音乐，不过我得告诉你《日瓦哥医生》写的更棒！”，这段小小的谈话自然让人生地不熟的Jarre感到些许鼓舞，后来，Maurice Jarre才知道这个陌生人，正是好莱坞电影音乐的龙头老大Alfred Newman，当然，Alfred Newman也是该届的入围者之一。

　　金像奖确实是一项动人与诱人的荣誉，也为莫里斯·贾尔带来很大的成就感，但实际上最让莫里斯·贾尔感到自豪与欣慰的，并不是一个知名奖项的鼓励，而是这些年来，他走遍世界各地，听到各个民族的人，用各种不同的乐器和表现手法，在各种不同的场合演奏他的作品，如《阿拉伯的劳伦斯》，或者是“Lara's Theme”，其中所带来的喜悦，才是真正无与伦比的